jueves, 26 de diciembre de 2013

Arte moderno

El arte moderno, como innovación frente a la tradición artística del arte occidental, representa una nueva forma de entender la teoría y la función del arte, en que el valor dominante de las llamadas artes figurativas (pintura y escultura) ya no es la imitación de la naturaleza o su representación litera, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista. Ante todo es un concepto estético y no cronológico.
Sus precedentes (de las ideas artísticas modernas) ya pueden verse en la obra de los grandes maestros barrocos (Diego Velázquez o Rembrandt van Rijn ); de autores de finales del siglo XVIII y comienzos del XIX más o menos cercanos al romanticismo (Francisco de Goya, Jaques Louis David, Eugene Delacroix, Théodor Gericault, Caspar David Friedrich, William Turner, William Blake); y de autores de mediados del siglo XIX cercanos al realismo (Camille Corot, Jean-François Millet, Gustave Courbet, Escuela de Barbizon, William Morris).
Para esas fechas empieza a ser usual la percepción del artista moderno como un incomprendido social, ajeno a las instituciones; aunque paradójicamente termine creando su propia institucionalidad alternativa (Salon des Refusés, 1863 ).
Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos del mundo del arte, que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico. Este representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.
Fuentes:


lunes, 16 de diciembre de 2013

Mireia Vercher

Mireia Vercher  es una artista en plena ebullición de su carrera. Durante los últimos años ha aprendido y conocido las diferentes facetas artísticas que ofrece la universidad y, a su vez, interactuando con estas para dialogar sobre el arte. Mireia continúa sus estudios artísticos  en la Universitat Politècnica de València, licenciándose en la carrera de Bellas Artes y en este último año de estudios decidió abrirse camino en el mundo del diseño 3d y mejorar en fotografía, técnica y conceptualmente.
Durante la entrevista que nos ocupa, Mireia ha hablado sobre nuevos métodos de realización para desarrollar sus proyectos personales y de cómo han afectado positivamente en sus creaciones. Nos cuenta también que no sólo fue la curiosidad el motivo para interactuar con el diseño 3d,si no que  también se propuso un reto, una meta personal al abrirse en el campo del modelado virtual.
El conocimiento de programas vinculados en el modelado 3d se enlaza perfectamente con sus dotes como diseñadora de interiores, cabe mencionar que Mireia ha estado durante más de tres meses  realizando prácticas en un gabinete de diseño de interior situado en plena ciudad de Londres. Además, lleva a cabo un proyecto en la elaboración de una serie de espacios interiores inspirados en su experiencia personal. Según ella, estos programas ofrecen mejoras en las proyecciones de los diferentes espacios a crear, en cuanto a las herramientas de modelado, de texturado y renderización.
Seguimos la entrevista con preguntas relacionadas al campo de la fotografía, una herramienta de trabajo muy conocida por esta artista y que hemos podido ver  en las diferentes exposiciones colectivas que ha llevado a cabo los últimos años y por “La Fuerza de la Fragilidad”, una muestra fotográfica que expuso el pasado mes en Valencia. Esta exposición hacía una profunda reflexión sobre la concepción de los elementos más comunes y el poder que ofrece el color y la luz haciendo un estudio muy estético.Mireia cuenta su acertada decisión con la asignatura que lleva a cabo en la facultad, nos demuestra que le apasiona la fotografía y con la mejora de sus estudios abre todo un mundo conceptual a la imagen.
Nos ha preparado una pequeña sorpresa, un avance sobre el nuevo proyecto fotográfico por el que se está documentando, habla sobre la piel y las texturas que tiene el campo compositivo de nuestro cuerpo. Esta sorprendente reflexión nos da a entender cuáles son las nuevas metas que desea alcanzar, abriéndose camino en los parámetros de la abstracción que previamente ha desarrollado en la pintura matérica y de campo de color.
Finalizamos la entrevista preguntándole sobre su futuro, cómo lo interpreta y en qué posición se ve dentro de un año. Nos responde de forma clara y directa. Ve un futuro de continuo avance, sin dejar de lado su formación ampliando el campo del diseño de interiores cómo principal camino de crecimiento artístico. Por otra parte no descarta continuar con cualquier disciplina artística que le ha impulsado a crear; la pintura y fotografía son medios con los que disfruta.
 Con una cálida despedida, terminamos esta serie de preguntas animando a Mireia Vercher con la tarea que diariamente trabaja, esperando conocer en un futuro cercano los proyectos que tiene entre manos y en su mente. Gracias por concedernos este tiempo.


lunes, 2 de diciembre de 2013

Cine de animación

Pensar en cine de animación y pensar en Walt Disney es casi una obligación ya que  desde 1937 hasta 1985 fue implantando entre los gustos del público, especialmente entre los más pequeños y es el creador americano predilecto incluso más allá del propio país.
La idea de recrear la ilusión del movimiento con una serie de dibujos es más antigua que el nacimiento del cine, se remontan a la prehistoria, en la que, mediante pinturas rupestres, se intentaba expresar movimiento. Descubrimientos en Egipto y en Grecia corroboran esta tendencia a representar diferentes fases del movimiento en su arte.
El primer intento que se conoce de una animación mediante la proyección de imágenes data de 1640, cuando el alemán Athanasius Kircher inventó el primer proyector de imágenes, la «linterna mágica», en la que, mediante grabados en cristales, era capaz de proyectar diferentes fases consecutivas del movimiento. En una de sus proyecciones representaba a un hombre mientras dormía, abriendo y cerrando la boca.

El incipiente mundo de la animación estuvo estancado hasta 1824, cuando Peter Mark Roget descubrió el principio de persistencia de la visión.


Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo, como se ve en su «taumatropo».
Aunque fueron muchos los inventos nacidos a la sombra del principio de persistencia de la visión, ninguno pasó de la categoría de juguete hasta la llegada del «Phenakistoscopio» de Joseph Antoine Plateau, en 1831, en el que conseguía plasmar un movimiento completo mediante el uso de dibujos.
Entre las bases del origen de la animación está el mismo juego de sombras y la proyección de siluetas de papeles recortados 
creados por la cultura china.


Émile Reynaud, se considera padre del cine de animación, inventó el praxinoscopio, uno de los muchos juguetes ópticos de la época, en el cual se utilizaba una técnica pre-cinematográfica de animación. 
Posteriormente lo perfeccionó con su teatro óptico, que permitía proyectar películas animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público y, acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892 hasta finales del siglo XIX. De su producción, en la actualidad se conserva ¡Pobre Pierrot!, de 12 minutos de duración.
Después Émile Cohl, que desde 1908 realizó los primeros
cortometrajes de dibujos animados, entre los que se destaca Fantasmagorie, 
de un minuto y veinte segundos de duración. 
Otro pionero fue George Méliès, el cual utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de animación.

En Europa, Francia ha destacado en los cortometrajes la productora Folimage; en largometraje, el éxito de Kirikú y la bruja de Michel Ocelot ha abierto el camino para un número creciente de películas de ambiciones y calidad notables: Las trillizas de Belleville de Sylvain Chomet, Corto Maltese: La cour secrète des Arcanes de Pascal Morelli, La prophétie des grenouilles de Jacques-Remy Girerd, etc. En adición y como largo más destacable se halla la película el planeta salvaje dirigida por René Laloux está considerada como uno de los grandes clásicos de la animación.

En Reino Unido, la productora Aardman Animations (dedicada principalmente a animación con plastilina) se hizo popular a ambos lados del Atlántico con sus cortometrajes, lanzándose a la producción de largometrajes con Evasión en la granja del mismo director.Comienza la animación independiente, con el estudio Bolexbrothers, y los cortometrajistas Barry Purves, Phil Mulloy y los hermanos Quay. 
Nuevas generaciones de animadores de los países del Este han mantenido viva su tradición, casi exclusivamente en cortometrajes, entre los que destacan: los rusos Garri Bardin, Aleksandr Petrov y Konstantin Bronzit; los checos Aurel Klimt (con  Fimfarum) y el veterano Jan Svankmajer, el polaco Piotr Dumala, los letones Priit Pärn y Priit Tender y la Escuela Checa de Animación, con Jiří Trnka.

domingo, 24 de noviembre de 2013

Arte en Movimiento


Valencia 2011, se forma entre varios artistas de distintas disciplinas artísticas con el fin de crear obras de arte con la temática de  Violencia de Genero, Derechos Humanos, Justicia...tratados de forma muy sutil.
 Su primer vídeo, Des-ubicación ( Idea original de Ana Auñón con la colaboración de Jordi Arnal , Rebeca Brun , Jordi NN , Carles Salafranca  y Belén Sobrino )Des-ubicación Vídeo-danza
 Año: 2011 Duración: 1.40 min.
 Sinopsis: Vídeo-Danza.Representación del instante en que las personas victimas de la violencia de genero son conscientes de su situación provocando les su Des-ubicación.
 Fue proyectado en Onda, Castellon de la Plana, con motivo del día internacional contra la violencia de genero http://desubicacion-aem.blogspot.com.es/2011/11/des-ubicacion_30.html



Después en el 2012 en Noviembre contra la violencia de genero participaron con Edén?  Año 2012
Duracion 1.28 min.
Sinopsis
¿Cuantas vejaciones debemos aguantar para conseguir nuestro sueño?
Su segundo vídeo sobre la misma temática, esta vez suman su colaboración Noelia Santamaría  ,   Arantxa Laffarga y  Jordi Arnal, con la participación de Ana Auñón, Jordi NN y Belén Sobrino                  
Próximamente "amenazan" con mostrarnos su ultima creación en Jornada de Vídeo-Arte en Alzira que se celebra el 13 de diciembre de 2013 en la Casa de la Cultura , nos presentan Ubicación 
año 2013
Sinopsis
Ubicación es un vídeo de violencia de género que muestra la misma acción bajo distintos puntos de vista,
¿quien es el maltratado?¿quien el maltratador? El más débil siempre sale perdiendo.


Añaden la colaboración de Carlos Mas, video-artista y, con una larga trayectoria en el mundo del teatro. Que mas nos presentaran?
Declración de doctrinas o propósitos de interés general de Arte en
Movimiento
Como grupo no publicamos manifiestos ni elaboramos teorías conjuntas,
incluso puede afirmarse que no tenemos un estilo en común. Pero si existen
un movimiento, no una escuela, y sí a un grupo profesionales que se reúnen
porque tienen interese en común, y se expresan de modo similar en su
lenguaje artístico al utilizar el vídeo para su mensaje.
Sus ideologías políticas no se refleja en sus obras, que tienen como temas
denunciar la violencia de genero, la injusticia social, las guerras, la
destrucción indiscriminada de los espacios naturales, la homofobia, las
persecuciones políticas y religiosas. Actualmente cada miembro produce su
obra de forma individual y colectiva en proyectos relacionados con los
derechos humanos .
Sitio web •http://artemovimiento2011.wordpress.com/

sábado, 16 de noviembre de 2013

Vincent van Gogh

Vincent Willem van Gogh Zundert , 30 de marzo de 1853 - Auvers-sur-Oise , 29 de julio de 1890 ) fue un pintor postimpresionista holandés ,autor de unos 900 cuadros (27 de ellos autorretratos) y unos 1.600 dibujos. Además, dejó 800 cartas, 650 de ellas dirigidas a su hermano pequeño, Theo van Gogh . La figura central en la vida de Van Gogh, fue su hermano, que continuamente y desinteresada mente le dio apoyo financiero. La gran amistad que toda la vida los unió se encuentra documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron a partir de agosto de 1872 .
A pesar de la calidad de la obra, hubo que esperar a su muerte para que los méritos le fueran reconocidos y se convirtiera en una gran figura de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX , especialmente entre los fauvistas y losexpresionistas alemanes
El 1880 se establece en Bruselas , y hace amistad con Anthon von Rappard pintor holandés.
 Se inscribe en la Academia de Bellas Artes, donde estudia dibujo y perspectiva . En esta época hace todo de bocetos y dibujos basados ​​en las pinturas de Millet , representando personajes de campesinos y mineros, tomados de modelos de la vida cotidiana y pintados en un plano muy realista y con una tonalidad muy oscura.

Durante la primavera de 1885 , pinta la que se considera una de sus grandes obras, Comiendo patatas . Hasta entonces sus esfuerzos se habían centrado siempre en la representación de una figura, y aquí se encuentra con la dificultad de tener que coordinar cinco personajes y relacionarlos. Para esta pintura contrata modelos, hace varios bocetos de dibujos de las figuras, y todo de estudios de detalles, como las manos sujetando el tenedor, la taza o la tetera. 


He puesto mi mayor interés en que, al contemplar el cuadro, se piense que esta gente que está bajo la lámpara, que se come las patatas metiendo las manos en el plato, ha trabajado también la tierra, con estas manos. Mi cuadro exalta, pues, el trabajo manual y el alimento que ellos mismos se han ganado con toda honestidad ...

En noviembre de 1885 llega a Amberes , donde alquila un pequeño taller en el piso de encima de una tienda de pinturas, alquiler que le paga su hermano. Compra anticuarios algunas xilografías japonesas, y se dedica a copiar modelos de yeso de esculturas antiguas expuestas en la Real Academia, a pesar de seguir estando en desacuerdo con la enseñanza académica. Descubre los cuadros deRubens , que con su colorido y sus formas femeninas le abren la alternativa del uso de colores como el carmín y el verde esmeralda .

Las estampas japonesas compradas en Amberes le dan la llave de la forma y del espacio. Estudia los colores complementarios, y todo ello lo hace abrirse a una expresión en su arte que no había ni sospechado los Países Bajos . Pissarro también le explica las nuevas teorías sobre la luz y el tratamiento divisionista de los tonos. Consigue que ir añadiendo colores más ricos y luminosos en la paleta, gracias a Signac, con quien trabaja en 1887. Practica pintando paisajes urbanos del barrio de Montmartre y naturalezas muertas , ya con colores mucho más vivos. Los rojos, amarillos y azules, con sus complementarios, ya se pueden apreciar en casi todas sus pinturas de este período

«
Envidio los japoneses por la increíble y limpia claridad que impregna todos sus trabajos. Nunca son aburridos ni dan la impresión de haber sido hechos a toda prisa ... Su estilo es tan sencillo como respirar. Son capaces de hacer una figura, con unos pocos trazos seguros, que parezca tan fácil como abrocharse el chaleco>>
 Sus primeros cuadros en Arles son típicamente japoneses, la pintura Melocotonero en flor, la hace en marzo de 1888. Pinta la naturaleza de los alrededores, los campos de trigo, los pantanos del delta del Ródano , el canal en el sur de Arles, reflejado en diversas obras como El puente de Langlois . Durante este período comienza a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos , verdes y azules intensos que caracterizan su obra pictórica de los últimos tiempos
La ideología del simbolismo surge a finales del siglo XIX . Según escribe en 1886 Edouard Dujardin , uno de los grandes teóricos de esta técnica:
«
El objetivo de la pintura y de la literatura es reproducir, con los medios propios de estas artes, el sentimiento provocado por las cosas. Lo que se debería expresar no es la imagen, sino su carácter.
»
En la pintura Jarro con doce girasoles , pintada en agosto de 1888, Van Gogh prueba de plasmar el espíritu del simbolismo . La meticulosidad de las flores contrasta con la caótica disposición de las hojas, así como con la pastosa aplicación del color, que, ante el fondo azul claro, consigue que el cuadro tenga un significado más allá de la simple reproducción de las flores. Muestra la imaginación del artista y su gran fuerza expresiva, fuerza que exige un gran delirio de sentimientos
La depresión de Van Gogh empeora, y el 27 de julio de 1.890 , a la edad de 37 años, mientras pasea por el campo, con un revólver se dispara un tiro en el pecho. No se da cuenta de que su herida es mortal, y vuelve a la pensión Ravoux, donde muere en su cama dos días más tarde. Theo se apresta a estar a su lado, y se informa de sus últimas palabras, como «La tristesse Durero toujours» (la tristeza durará siempre). Vincent es enterrado en el cementerio de Auvers-sur-Oise
Theo había contraído la sífilis , lo que no sería admitida por la familia durante muchos años, y sólo después de la muerte de Vincent ingresa por voluntad propia en el hospital . No puede soportar el dolor de la ausencia del hermano, y muere seis meses más tarde, el 25 de enero , a Utrecht . El 1914 , el cuerpo de Theo es exhumado y enterrado junto al de Vincent.






https://www.google.com/search?q=vicent+van+gog&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ei=rNSHUtOME4iQ7AaJvoGQCQ&ved=0CAkQ_AUoAQ&biw=1280&bih=637#nfpr=1&q=vincent+van+gogh&spell=1&tbm=isch&imgdii=_

viernes, 8 de noviembre de 2013

Cine sonoro, inicios

El inicio de la época sonora del cine coincidió con el crack económico de 1929 que ocasionó una Gran Depresión en los EEUU.
Aparece El cantor de jazz", de Alan Crosland Primer film sonoro. La Warner Bros. Pictures, que por entonces pasaba problemas financieros, fue el primer estudio en sacar un filme sonoro, que alternaba la voz y canciones de Al Jolson con subtítulos. Por supuesto, e independientemente de la calidad artística del filme, se convirtió en un gran éxito de taquilla. (FILMAFFINITY)
Este cambio para la industria del cine, también lo fue para los actores, desaparecieron como tales al conocer el público su verdadera voz, desagradable o ridícula, que no correspondía a su apariencia física, actores y actrices tuvieron que aprender a vocalizar correctamente.
En el Estado Español, los primeros estudios sonoros, los Orphea, fueron inaugurados en Barcelona en 1932, donde también se filmó el primer film hablado en catalán, "El cafè de la Marina" (1933) de Domènec Pruna.
Hollywood se dedicó a producir títulos basados en los géneros fantástico,la comedia, el musical o el cine negro, con el fin de exhibir productos de entretenimiento con los que poder evadirse de la realidad.
Es el momento de directores como Lubitsch autor de "Ser o no ser" (1942), Capra -maestro de la comedia americana, con títulos como "Sucedió una noche" (1934) o "Vive como quieras" (1938);
Howard Hawks director de Scarface (1932),George  Cukor, autor de"Historias de Filadelfia" (1940)
 John Ford conocido sobre todo por sus "westerns" épicos, como"La diligencia" (1939); o Josef von Sternberg cineasta alemán que dirigió "El ángel azul" (1930)-.
Paralelamente comienza el cine social con King Vidor, cineasta sensible a los problemas de las capas populares como demostró en "El pan nuestro de cada día" (1934). " En  Alemania es Georg Wilhelm Pabst es quien cultiva este genero.
El compromiso estético con los menos favorecidos fue más fuerte en Europa. Francia, coincidiendo con el Frente Popular, Jean Renoir mostraba la vida cotidiana y laboral de los trabajadores, incluso utilizándolos como protagonistas de algunos de sus films, como en "La regla del juego" (1939),título que, además de su carga de naturalismo, esto supuso nuevas aportaciones estéticas.
Otros cineastas encuadrados en lo que se llama"realismo poético" fueron Jacques Feyder, Jean Vigo, Marcel Carné y René Clair.
Muchas de las nuevas estrellas de cine proceden del teatro o del musical. Nombres como Marlene Dietrich, Greta Garbo, Claudette Colbert, Olivia de Havilland, Gary Cooper, Clark Gable, Errol Flynn, Jean Gabin, Edward Robinson o Humphrey Bogart se han convertido en mitos del cine
Fuentes consultadas:

http://www.filmaffinity.com/es/film918929.html
http://www.xtec.cat/~xripoll/hcinec3.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Ernst_Lubitsch
http://www.bazuca.com/categoria-38278-director-Frank-Capra
http://es.wikipedia.org/wiki/Howard_Hawks

sábado, 2 de noviembre de 2013

Joseph Beuys

Artista vinculado al Activismo. Nació el 12 de mayo de 1921 en Krefeld. 
Para Beuys, "todo ser humano es un artista", y cada acción, una obra de arte. Con esa concepción ampliada del arte despertó revuelo y desató debates en todo el mundo. Las obras de arte eran para Beuys tan efímeras como la vida. Por ello nunca quiso crear obras para la eternidad, sino dar impulsos para la reflexión.
 Beuys tomó elementos mitológicos, filosóficos, médicos y religiosos en su intento utópico de ayudar a crear una sociedad más humana. Muchos de sus dibujos, plásticas, acciones y conferencias contienen referencias al mundo de la medicina, tanto popular como académica.
En su último periodo creativo, Beuys también analizó intensamente el chamanismo, para el artista una filosofía natural que evoca un mundo originario en el que todos los seres viven en armonía. En ese sentido, Beuys fue un adelantado de su tiempo, ya que veía en el chamanismo un enfoque médico integral, que armoniza a todo el ser: su cuerpo, su espíritu y su alma.


Mas en 

viernes, 25 de octubre de 2013

INguDeE

Con el tiempo nos expandimos y a comenzado a colaborar con nosotros una nueva compañera que nos aportara tanto entrevistas como nuevos reportages de personas que viven el arte cuya particularidad es que tienen, o han tenido una relacion con la Facultad de BBAA de Valencia como el reportaje de Victoria Francés, Ilustradora valenciana,Licenciada en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia
http://lafadeta.blogspot.com.es/a

sábado, 19 de octubre de 2013

Victoria Francés

Victoria Francés es Ilustradora valenciana,Licenciada en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia.
Se dio a conocer en el XXII Salón del Cómic de Barcelona, donde hizo su primera aparición pública y ganó el respeto de autores de renombre.
Al mercado se han lanzado calendarios centrados en su arte y otros productos de merchandising como puzles o cartas de tarot.
Sus primeras obras fueron publicadas en España por Norma Editorial, hasta que finalizó la serie Favole y cambió de editorial a Planeta DeAgostini publicando "El Corazón de Arlene". En 2009 vuelve a Norma Editorial comenzando a publicar la colección de libros "Misty Circus" y este mismo año publica también "Dark Sanctuary" con la editorial Astiberri. Actualmente, 2012, ha publicado una nueva obra titulada "El lamento del océano".
La editorial estadounidense Dark Horse ha publicado sus obras en Norteamérica, aumentando así su base de seguidores.
La obra de Victoria Francés está inspirada en el movimiento gótico, considerándose una precursora de la ilustración de este género: mujeres fantasmales con vestidos largos y las referencias vampíricas. Sus ilustraciones muestran personajes solitarios, mujeres jóvenes o parejas, en un ambiente gótico y atmósfera romántica o melancólica. 

Victoria recibe influencias de varios escritores, como Edgar Allan Poe, Anne Rice, Goethe, Baudelaire, Bram Stoker y de ilustradores como Arthur Rackham, Edmund Dulac, Luis Royo y Gerald Brom,también de grupos de música entre los que destaca a Dark Sanctuary con los que ha colaborado en 2009.





http://www.victoriafrances.es/autora/
http://www.flickr.com/photos/victoriafrancesofficial/sets/
https://www.facebook.com/pages/Victoria-Franc%C3%A9s-Official/130915713670544
http://www.victoriafrances.es/galeria/ilustraciones-variadas/
http://www.mistycircus.com/
http://victoriafrancesfrozen.blogspot.com.es/2007/12/victoria-francs-imgenes.html
https://www.google.es/search?q=victoria+frances+ilustracion&espv=210&es_sm=122&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=R4liUsHfJoSjhgeA94CgAg&ved=0CDEQsAQ&biw=1280&bih=675&dpr=1#es_sm=122&espv=210&q=victoria+frances+ilustracion+libres+de+derechos+de+autor&tbm=isch&facrc=_&imgdii=_&imgrc=irG63J9IbDbCEM%3A%3B4JLsJ1B5TQYQyM%3Bhttp%253A%252F%252F3.bp.blogspot.com%252F_88k4Q3Suy6w%252FSxPzEtcPZJI%252FAAAAAAAABAs%252FBSXerA8Xxv0%252Fs400%252Fvictoria%25252Bfrances.jpg%3Bhttp%253A%252F%252Felgrandiosom.blogspot.com%252F2009%252F11%252Ftrapitos-comiqueros-hoy-favole-de.html%3B300%3B400

sábado, 12 de octubre de 2013

Fernando Lozano

Fernando Lozano, artista español, estudio en Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Ciudad Real (estudios generales de dibujo, pintura y talla en madera) y Escuela de Artes Aplicadas y Oficios de Tarragona (grabado y pintura mural -procedimientos-).

A-¿Como fue tu inicio en el arte, tus primeros recuerdos?

F-Mi padre, también pintor,  me disuadió de mi inclinación por la literatura a cambio de la pintura. Si no recuerdo mal, casualmente fue el año de la muerte de Pablo Picasso. Mi padre no creía que en España uno se pudiera ganar la vida con la literatura -curiosamente hoy hay algunos escritores muy bien pagados en nuestro país-. Dentro de lo malo, la pintura debió parecer le un arte más práctico”. El caso es que me lo tomé muy en serio y me hice pintor con ahínco. Aunque no dejé de escribir. Hará casi dos años, la editorial barcelonesa Ediciones Carena, publicó mi novela más reciente, titulada “Cerezas”. Aún no he vuelto a publicar nada más desde entonces; si bien tengo varias cosas en preparación.


A-¿Qué artistas te influenciaron?

F-Al principio los impresionistas. Creo que sin ellos no hubiera tirado de mí la vocación pictórica.


A-¿Cómo describirías tu arte?

F-¿Cómo lo describiría? Pinto desde hace cuarenta años, mi producción ha pasado por muchísimos periodos, épocas, matices. Y por otro lado describir, hablar, en esto no sirve.


A-¿Qué opinas del arte actual?

F-Yo solo veo muchos náufragos desperdigados y desentendidos unos de otros,  gritando triunfo si encuentran un mueble flotante al que asirse.


A-¿Qué quieres transmitir con lo que haces?
F-¡Nada! Yo no me planteo esas cosas. Yo no transmito nada ni pintando ni esculpiendo. ¿Qué significa expresar cosas exactamente? Cuando me pongo a juntar objetos para formar una escultura o me pongo ante una tela no experimento necesidad alguna de “expresar” o “transmitir”. Solo “hago”. Esencialmente acepto el caos y lo acompaño. Nuestro concepto cultural del caos es lo que en física se denomina “entropía”. La entropía es el más universal de los fenómenos en el sentido de que es el más inevitable. Cuando pinto me limito a poetizar el desorden. Nadie puede hacer nada más. El arte en realidad es algo muy frívolo. En vez de nadar en la vanidad, podríamos haber estudiado medicina,  por ejemplo, para salvar vidas en países donde la gente carece casi de todo, hasta de agua salubre. Puestos a servir a un ideal elevado podríamos habernos hecho útiles a la sufriente humanidad de muchísimas otras formas prácticas. Pero no, aquí estamos, esperando que nuestro arte nos saque a bailar y nos pague el whisky antes de que se nos quede cara de putas tristes. Pues bien, y he aquí lo asombroso y lo mágico. El ego frívolo del artista, arroja no obstante resultados de verdadera elevación humana cuando el artista es bueno. Ahí radica la grandeza del arte. El arte es la pauta de la Historia y su único fruto. No es mérito del artista. Ni tan siquiera el artista es el autor de sus obras. Tan solo ha sido tocado como médium de un mundo lejano y extraño; parcialmente inalcanzable, cuyos resultados el artista se permite, como un angelito, firmar y fechar.

A--¿Cual es la función de lo que haces?

F-Rastrear los oscuros peldaños de la nada desde la planta baja hasta el ático, para nada que sea útil o medible.


A-¿Como es el proceso creativo?

F-Verás…, no tengo ni la menor idea.


A-¿A quién quieres llegar?

F-A nadie. Salvo a mi estrella guía, es decir, a mi “yo” más exigente.


A-¿Cómo ves el arte contemporáneo, y a sus artistas?

F-Préstame unos prismáticos, hace ya un rato que perdí de vista al grupo de los náufragos.


A-¿Qué opinas de los galeristas y de los nuevos medios de difusión de las obras como Internet, espacios emergentes, etc.?

F-No abundan galeristas inteligentes. Algunos que creen serlo, con frecuencia hacen picados fanáticos y sectarios hacia alguna rama extrema del arte excluyendo a las demás, o bien  se limitan a pensar y actuar como meros pequeños comerciantes, evitando miras realmente artísticas. Con los espacios alternativos ocurre que enseguida cae en manos del clásico comisario,  improvisado o no, que acostumbra a ser alguien sin talento y rodeado de amigos ocasionales, naturalmente todos ellos “artistas”. En cambio Internet,  como medio de difusión, sí está mostrando ser de una extrema utilidad para que algunos artistas puedan compartir compulsivamente y hasta el hartazgo, por Facebook, las empalagosas frasecillas de Paulo Coelho.


A-¿Si no fueras artista que te gustaría ser?

F-Útil, como Teresa de Calcuta. O, por otras razones,  un respetable capo de la mafia. Pero para un artista, es siempre tarde para ser otra cosa que un artista.

domingo, 6 de octubre de 2013

Menchu LAMAS

 
Menchú Pérez Lamas es una pintora gallega nacida en Vigo
Fue lanzada en 1976 en el grupo de muestra de la Plaza de la Princesa en Vigo. Inmediatamente se incorporó al Grupo del Atlántico , que constituyó el inicio de su proyección.

Fue a exposiciones colectivas en diferentes ciudades de España y Europa . Sus pinturas cruzan el Atlántico en empresas apoyadas por la Xunta de Galicia . Está representado en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid , en Galicia y en importantes colecciones privadas e institucionales.
 
La pintura de Menchu Lamas se expresa a través de estratos de color definiendo un espacio propio de marcada singularidad. Amplios campos cromáticos construyen la imagen pictórica que se caracteriza por su frontalidad y fuerza emblemática.
 A partir de esas definidas premisas conceptuales construyó un vocabulario de formas donde la energía simbólica y la pasión cromática son ingredientes decisivos. La pintura como un espacio abierto. Un hábitat singular. Un territorio en el que la metamorfosis de la imagen-color despliega un sugerente relato. La sombra, el juego de contrastes, los barridos gestuales, la superposición visual y la tensión geométrica son factores claves en la composición. Silueta y superficie, contorno y opacidad, vibración y frontera del color. Espacio de germinación donde brotan los signos del enigma. Su peculiar laboratorio de sombras: siempre con el contraste activo de un intenso sentido del color.
 
 

EXPOSICIONES INDIVIDUALES (selección)

2008 La mano que mira el horizonte. Galería May Moré, Madrid
Instituto Cervantes. Marrakech
Galerie Clauss & Palacios. Sttutgart
2007 L´ombra nella mano/ Il viaggio delle forme. Instituto Cervantes, Roma
Galeria Michael Dunev. Torroella de Montgrí. Girona
2006 A Lúa no Espello. Galería SCQ, Santiago de Compostela
A sombra na man/ A viaxe das formas. C.G.A.C. Santiago de Compostela
L´ombra nella mano/ Il viaggio delle forme. Palazzo Stellini. Galleria Gruppo Credito Valtellinese. Milán
Instituto Cervantes, Milán
Instituto Cervantes, Nápoles
2005 Fundación Caixa Galicia. Pontevedra
2004 Espiral del sueño. Galería May Moré, Madrid
Galería Miguel Marcos, Barcelona
Galería VGO, Vigo
2003 Galería Argenta, Valencia
Espiral do soño. Diputación Provincial, Ourense
2002 Galería Isabel Ignacio. Sevilla
Galería Ópera, Sitges
Galería Aural, Alicante
Galería dos Coimbras, Braga. Portugal
Galería SCQ, Santiago de Compostela
2001 Galería Pilar Parra. Sanxenxo
Galería May Moré. Madrid
2000 Galería VGO, Vigo
Centro Municipal de las Artes, Alcorcón
Museo Cruz-Herrera. La Línea de la Concepción
1999 Galería Gabriele Von Loeper, Hamburgo
1998 Galería SCQ, Santiago de Compostela
1997 Itinerarios concéntricos.Estación Marítima, A Coruña
Galería Trazos Tres, Santander
Galería Espai Lucas, Valencia
Galería May Moré, Madrid
1996 Galería Sio Levy, Barcelona
Galería Pardo Bazán, A Coruña
Galería Abel Lepina, Vigo
1995 Galería Espacio Mínimo, Murcia
Galería May Moré, Madrid
Banco Zaragozano, Zaragoza
1994 Palacio Provincial, Diputación de Jaén
Galería Evelio Gayubo, Valladolid
1993 Galería Trinta, Santiago de Compostela
Galería Trazos Tres, Santander
Galería Pardo Bazán, A Coruña
Galería Abel Lepina, Vigo
1992 Galería Miguel Marcos, Madrid
Galería Robayera, Miengo. Cantabria
Sombras. Museo de Bellas Artes de Santander
1991 Galería Sergio Sanchez, Manresa
1990 Galería Miguel Marcos, Madrid
Galería Bretón, Valencia
1989 Galería Mácula, Alicante
1988 Galería Miguel Marcos, Madrid
Galería Trazos Tres, Santander
Galerie Aline Vidal, París
1987 Galería Dau al Set, Barcelona
1986 Galería Trinta, Santiago de Compostela
Sala Durán Loriga. A Coruña
1985 Colegio de Arquitectos, Málaga
Galería Juana de Aizpuru, Sevilla
Galería Abel Lepina, Vigo
Galería Dau al Set, Barcelona
1984 Galería Buades, Madrid
Fundación Valdecilla, Madrid
Galería Palace, Granada
Galería Miguel Marcos, Zaragoza
Galeríe Gabriele von Loeper, Hamburgo
1982 Galería Buades, Madrid
EXPOSICIONES COLECTIVAS (Selección)
2008 Outra xeografía. Arte desde Galicia. La Habana
Colección. Últimas adquisiciones. Fundación Caixa Galicia. Santiago de Compostela
2D. Coleccion Caixanova. París
Creadoras del siglo XX. Cajacanarias. Tenerife
2007 La Movida. Artes plásticas. Comunidad de Madrid
Galeria Buades, 1973-2003: treinta años de arte contemporáneo y tantas cosas más. Museo Patio Herreriano. Valladolid
2006 Una geografía personal. Colección Beulas-Sarrate. Centro de Arte y Naturaleza. Fundación Beulas. Huesca
ARCO´06.Galería SCQ, Santiago de Compostela
Vitale gestik in der malerei [Jan Ulrik Friis, Menchu Lamas, Heino Hanjoks, Max Uhling] Galerie Gabriele von Loeper, Hamburgo
Foundation Veranneman á Kruishoutem, Bélgica
Colección Caixa Galicia. Sala Julio González. IVAM Valencia
25 años de la Constitución. Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
2005 Colección Testimonio.2003-2004. Sala de Exposiciones Plaza Conde de Rodezno. Pamplona
The Artcard. Sharjah Art Museum. Emiratos Árabes Unidos
Generación de los 80. Tarragona
ARCO´05. Galería Thomas
Schatten und Licht: Stationen spanischer Kunst. Instituto Cervantes, Berlín.
Colección de Arte. Fundación María José Jove. A Coruña
El Barco del Arte. Bilbao.
Percorsi per l´arte spagnola”. Instituto Cervantes. Roma
Una mirada sesgada. MACUF. A Coruña
Shadow and light Journeys through Spanish Art. Instituto Cervantes. New York
2004 ARCO´04. Galeria SCQ Madrid
Vinte anos colección plástica. Caixanova. Vigo
Con la palabra y la imagen. Fundación Pablo Iglesias. CBA. Madrid
Feria de Arte. Chicago, Galería Isabel Ignacio
9° Fiera Internazionale d´Arte Moderna e contemporánea. Milán
25 Años/ Miguel Marcos. Palacio de Sástago, Zaragoza
2003 Meridiano de Greenwich. The Nunnery, Flowers Central. Londres
Distintas miradas. Museo Municipal de Arte Contemporáneo. Madrid
+ - 25 Años Arte en Libertad. Valencia
Art Santa Fe. Santa Fe (USA)
Bienal Internacional del Deporte en el Arte. BIDA 2003. Salamanca
Itinerario. Miguel Logroño: una vida por el arte. MEIAC, Badajoz
2002 Los Años Pintados. Palacio de Revillagigedo. Gijón
Colección Aena. Fundación Pablo Serrano. Zaragoza
ARCO´02. Galería SCQ/ VGO y Galería May Moré. Madrid
Meridiano de Greenwich. Centro Cultural Conde Duque. Madrid
Tránsito de ideas. Arte en España (1972-1992). Palacio Provincial. Claustro Exposiciones. Cádiz
2001 Colección Testimoni. Caixa de Pensións. Palma de Mallorca
Abanicarte. Sala Altamira. Centro Municipal de las Artes. Alcorcón
Colección Caixanova. Unha visión da arte contemporánea galega. Auditorio. Santiago
Arte contemporáneo. Colección Banco Zaragozano. CBA, Madrid
2000 ARCO 2000. Museo de Bellas Artes de Alava
La década de los ochenta en el Museo de Bellas Artes de Álava. Sala Amárica. Vitoria-Gastéiz
1999 5000 anos de Arte Moderna [Arte rupestre prehistórica e arte contemporánea galega]. Casa das Artes, Vigo
Libros de Artista. Fundación Granell, Santiago de Compostela
Luces de Sangre. Centro de Arte Museo de Almería. Museo Municipal de Málaga
1998 Arte galega da segunda metade do século. CGAC, Santiago de Compostela
III Trienal de Arte Gráfico. Palacio Revillagigedo, Asturias
Colección de arte contemporáneo AENA. Fundación Bancaja, Valencia
1997 Cuatro artistas de Galicia” [Menchu Lamas, Lamazares, Patiño, Paz].
Fundación BBK, Bilbao
Cuatro artistas de Galicia. Galería Fernando Santos, Oporto (Portugal)
Colección Permanente. Arte Galega. 1980-1997. CGAC, Santiago de
Compostela
AENA. Colección Arte Contemporáneo. Museo de la Pasión, Valladolid
1996 3RD Artist Book International. Colonia, Galería May Moré
La Colección de Arte de Fundesco de 1985-1996
Fundación Arte y Tecnología, Madrid
Juegos. Galería May Moré, Madrid
Fondos para una colección. Comunidad de Madrid
II Foro Atlántico. Matosinhos, Oporto, Portugal
1995 Los Años Pintados. Drassanes Reials, Barcelona
A la pintura. Fundación Argentaria
Accrochage I. Galerie Gabriele von Loeper, Hamburgo
Jeunnes Peintres Européens. Galería Yahia, Tunez
1994 Zapatos usados & Talleres de Artista. Fundación Pilar i Joan Miró. Palma de Mallorca
Los Años Pintados. Palacio de Sástago. Zaragoza
1993 Memoria 1973-1993. Galería Salvador Riera. Barcelona
10 Artistas y 10 Críticos. Estación Marítima de Vigo
10 Pintores/10 Escultores en los ochenta. Colección de Arte Contemporáneo. Estación Marítima, A Coruña
Colección Caixa de Pensións. Santiago de Compostela
1992 Colección de Amigos del Centro de Arte Reina Sofía
Palacio de la Virreina. Barcelona
Expo'92. Pabellón de Galicia. Sevilla
Colleció Testimoni. Caixa de Pensións, Pollenca
1991 Andre Facher. Baden-Württembergische Bank. Stuttgart
Colección pública. Selección de ingresos 1985-1990. Sala Amárica. Museo de Bellas Artes de Álava. Vitoria
Por la pintura. Palacio de Sástago, Zaragoza. Diputación de Huesca
Colección Fundesco-Telos. I.C.I., Buenos Aires
1990 Fraüen. Congre Centrum Hamburgo, Hamburgo
Aspekte der Frau. Galerie Gabriele Von Loeper, Hamburgo
1989 On es el temps?. Estació de França, Barcelona
Ateliers Roma Compostela. Museo do Pobo Galego. Santiago de Compostela
Gallego: somos nós. Buenos Aires, Montevideo
2 International Ystambul Biennial. Estambul
1988 Antipodes. Brisbane [Australia]
FIAC-88, París. Galería Miguel Marcos
1987 A 11 art Forum. Galerie Thomas, Munich
Litoral. Sociedade de Belas Artes, Lisboa (Portugal)
4 Artistes. Galerie George Lavrov. París
Antropoloxía e Memoria. Fundación C. Gulbenkian. Lisboa (Portugal)
Elvira Bach, Lamas, Jones. Galerie Gabriele Von Loeper, Hamburgo
(Alemania)
1986 Junge Spanische Künstler [Miquel Barceló, Menchu Lamas, Ferrán García Sevilla, Antón Patiño, Francisco Leiro]. Galerie Thomas, Munich (Alemania)
Periferias. Centro Cultural de la Villa, Madrid
Artistas Españoles. Galerie Marie Louise Wirth, Zürich (Suiza)
ART 17,86 Basel. Stands Galerie Thomas y Galería Buades. Basilea
(Suiza)
Menchu Lamas, Lamazares, Leiro, Patiño y Paz. Pabellón de la Magdalena,
Santander
Kunst aus Spanien. Galerie Gabriele Von Loeper, Hamburgo
1985 Currents [Anish Kapoor, Menchu Lamas, Leon Golub, Antón Patiño,
Sigmar Polke]. Institute of Contemporary Art, Boston (USA)
Five Spanish Artists [ Miquel Barceló, Campano, Ferrán García Sevilla,
Menchu Lamas, José María Sicilia]. Artists Space. New York (USA)
VIII Bienal de Arte, Pontevedra
5 Artistas Españoles [Campano, Ferrán García Sevilla, Menchu Lamas,
Miquel Barceló, Jose María Sicilia]. Europalia 85. Museum Van Handendaagse, Gante (Bélgica)
Bienal de Sâo Paulo, Pabellón Español [Luis Gordillo, Menchu Lamas,
Juan Uslé, Francisco Leiro]. Sâo Paulo (Brasil)
19 Internationale Kunstmark 85, Galeríe Gabriele Von Loeper, Galeríe
Thomas. Colonia (Alemania)
Arte Español Contemporáneo. Fundación Juan March, Madrid
Kunst Mit Eigen-Sinn. Aktuelle Kunst von Frauen. Museum Moderner Kunst.Viena (Austria)
1984 L´imatge de L´animal. Barcelona
En el centro. Madrid
Spanisches Kaleidoskop. Museum am Ostwall, Dormund (Alemania)
ART 15,84 Basel. Galería Buades, Basilea (Suiza)
Die Internationale Kunstmesse. Wissenschaftszentrum Bonn (Alemania)
Imaxes dos 80 desde Galicia. Museo do Pobo Galego. Santiago de Compostela
ART Cologne. Galeríe Gabriele Von Loeper, Colonia (Alemania)
Art d´Aujourdhui- Art de Femmes, Musée du 20´eme Siècle, Viena
1983 Spansk Egen-Art. Lijevals Konsthall, Estocolmo(Suecia); Malmö Konsthall,
Malmö; Kunstenernes Hus. Oslo (Noruega)
1982 26 Pintores, 13 Críticos: Panorama de la Joven Pintura Española
II Salón de los 16, Museo Español de Arte Contemporáneo, Madrid
Preliminar, Bienal Nacional de Artes Plásticas
1981 Atlántica. Centro Cultural de la Villa, Madrid.
Modern Art 80. Hyogo. Japón
O Feito Plástico/ Atlántica. Vigo
1980 Libres d´artiste. Galería Lara Vincy, París
Atlántica. [Últimas tendencias das artes plásticas en Galicia] Baiona
1979 Rubberstamp Art Internationale Stempelkunst. Galería Apropos. Lucerna (Suiza)
1978 Mostra da Imaxe, Vilagarcía de Arousa
1977 X Exposición Plaza de la Princesa, Vigo
1976 Princesa 76, Vigo
Homenaje a Miguel Hernández, Murcia


MUSEOS Y COLECCIONES
Artium. Vitoria
Caixaforum. Fundación Caixa de Pensións. Barcelona
Museo Patio Herreriano, Valladolid
Colección Dobe, Zürich
Asociación Canaria de Amigos del Arte Contemporáneo, Canarias
Fundación Juan March, Madrid
Fundación Beulas. Huesca.
Diputación de Albacete
Museo de Castrelos, Vigo
Exxon Corporation, New York
Xunta de Galicia, Santiago de Compostela
Fundación Thomas, Munich
Colección "Testimoni", Fundación Caixa de Pensións, Barcelona
Instituto A Xunqueira, Redondela [Pontevedra]
Comunidad Autónoma de Murcia
Caixa de Barcelona, Barcelona
Diputación de Alicante
Ayuntamiento de Barcelona
Caixanova, Vigo
Banco Exterior, Madrid
Instituto Cervantes, Marrakech
Casa de Galicia, Madrid
Colección Fundesco-Telos, Madrid
Colección Nordsten, Köln
Caja Extremadura, Badajoz.
De Pictura. Madrid
Colección Fundación Caixa Galicia, A Coruña
Diputación de Ourense
Museo Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
Fundación Caja Madrid
Museo de Bellas Artes de Álava, Vitoria
Fundación María José Jove, A Coruña
Colección Unión Fenosa
Junta de Extremadura
Ayuntamiento de Alcorcón, Madrid
Palacio de Justicia, Vitoria
Fundación Argentaria, Madrid
Biblioteca Nacional, Madrid
Parlamento Español, Madrid
Instituto Galego de Artes Escénicas e Musicais,
I.G.A.E.M. Santiago de Compostela
Caja Extremadura, Plasencia
Ayuntamiento de Alcobendas [Madrid]
Universidad Nacional de Educación a Distancia, Madrid
Museo Extremeño e Iberoamericano de arte Contemporáneo, M. E. I. A. C. Badajoz
Museo de Arte Contemporáneo, M. A. C. B. A. Barcelona
MACUF, A Coruña
Foundation Veranneman á Kruishoutem, Bélgica
Colección Comunidad de Madrid
Instituto Cervantes, Praga
Museo Municipal Arte Contemporáneo, Madrid
Colección AENA, Madrid
Parlamento de Galicia, Santiago de Compostela
C. A. A. M. Canarias
CGAC, Santiago de Compostela





Arte Necesary

Este es un proyecto para mantener vivo el Arte.
Ana Auñón Gestor Cultural y Critico de Arte