martes, 9 de diciembre de 2014

Carles Salafranca Porcar Conservador y Artista

Autorretrato. Técnica mixta sobre papel. 29x21 cm 
Cómo fue tu inicio en el arte?
Lo recuerdo ya desde niño, sentado con mi abuelo en su estudio mientras él pintaba y yo empezaba mis garabatos en mis cuadernos de dibujo. Sus enseñanzas empezaron a introducirme en las teorías del color, las distintas técnicas pictóricas, los soportes para dibujo a grafito o tinta. Todo ello se intensificó cuando, con 6 años, empiezo a recibir clases de la mano del que considero como uno de mis grandes maestros, Pere Ribera, que me influye no sólo en lo profesional como artista sinó en lo personal como amigo al que aun hoy en día acudo cual alumno acude a su profesor.
Imagino que lo que puedan ser entretenimientos en cualquier niño, a otros nos sirve como inicio, como el despertar de nuestras aptitudes en el mundo del arte.
Qué artistas te influenciaron?
Indudablemente, los clásicos y grandes nombres de la historia del arte universal, a los que considero los grandes maestros, no faltan en mis influencias y mis inspiraciones cada bez que planteo, estudio o realizo cualquier proyecto. El polifacético Miguel Ángel, Rafael, Bernini, Velázquez, Murillo, Tiziano, Rubens, el genial Ribera… Y así una gran lista.
Admiro sobremanera el lenguaje pictórico de los impresionistas. La fuerza del color puro, lenguaje esencial en sus obras. Monet, Renoir, Degas, Morisot. O Sorolla, del que mi abuelo era especial apasionado.
Por mi profesión de conservador y restaurador de bienes culturales, estoy familiarizado con los grandes autores de la escultura sacra, que es un punto fuerte en el patrimonio cultural español. Nombres como Martínez Montañés, Juan de Mesa, La Roldana, Pedro Roldán, José de Mora, Salvador Carmona… y un gran etcétera. Son otros nombres que admiro y a los que recurro constantemente.
Cómo describirías tu arte?
Quizá como polifacético, pues me gusta tratar y trabajar distintas formas de expresión artística. Desde la pintura y la escultura, al dibujo, la fotografía o el cartelismo. Y no sólo en cuanto a técnica, sino a la temática. Disfruto creando proyectos más figurativos y clásicos, por así decirlo, como otros más experimentales, de trabajo de taller y estudio de materiales para investigar sus posibilidades plásticas y estéticas.
Qué quieres transmitir con tu arte? Cuál es su función?
Creo que, tal vez, transmitir esa idea de trabajo, de proyecto, de los pasos que se siguen en cada una de las obras. Desde sus inicios más abocetados, hasta sus terminaciones. Dar a conocer y mostrar todo el proceso creativo. Quizá pueda parecer muy banal, o sólo decorativa… pero a mí especialmente me sirve como una función pedagógica muy visual, que particularmente me gusta encontrar en las obras de arte. Además, para mí, dedicarme parcialmente al mundo artístico me permite trabajar esa vertiente más plástica, experimental y artística que en mi profesión se debe apartar, pues el respeto a la obra original es la principal premisa ante todo.
A qué quieres llegar?
No me considero avaricioso o que pretenda grandes expectativas. Si con mis distintas vertientes artísticas consigo que llegue y haya un público al que le interese y gusten mis creaciones, así como colaborar con compañeros con los que comparto inquietudes y disfruto creando nuevos proyectos, ya me doy por más que satisfecho.
Qué opinas del arte contemporáneo y sus artistas?
Que en muchas ocasiones se está alejando excesiva y peligrosamente del público, de la gente. Quizá estemos pecando, yo también me incluyo, de narcisistas, de ombliguistas… pues parece que se crean obras sólo para nosotros y unos pocos entendidos, huyendo del público general por temor a que nos tilden de arte banal, o malo, o cursi, o pobre, porque la gente disfruta con ello. Creo que si fallamos una de las principales funciones artísticas, que es la comunicativa, al distanciarnos del entendimiento y comprensión del público en general, estamos fracasando en nuestro empeño de hacer arte, puesto que no habrá, más o menos tarde, un público que se interese por el arte ni acuda a él para nada.
Qué opinas de los galeristas y los nuevos medios de difusión del arte (internet, redes sociales, …)?
Que se están moviendo unos con otros para abarcar una mayor variedad artística, no sólo dándole difusión, sinó también poniendo en contacto a varios artistas para que compartan trabajos, opiniones, inquietudes, etc., que muchas veces llevan a colaboraciones. Y eso es de alabar. Con los nuevos métodos de comunicación, especialmente las redes sociales, la instantaneidad de la que disfrutan los usuarios sirve para compartir, dentro del mundo del arte, obras, noticias, opiniones, promociones y comentarios en tiempo real, que acerca el arte a la vista y disfrute del público. Que hace que se interese por él.
Sino fueras artista, que te gustaría ser?
Principalmente, a dedicarme para lo que me he preparado académicamente, que es el mundo de la conservación y restauración de patrimonio. Aunque, como ya he dicho, considero que soy ante todo esto, y la creación artística me sirve para dar salida a mis inquietudes creativas y experimentales que en mi profesión no puedo, porque no debo, desarrollar.


Como conservador, que opinas de según qué materiales utilizados en el arte actual? Como materiales orgánicos, por ejemplo. Es conservable?


Bueno, ahí debe primar la idea y la opinión del artista. Pues es su autor quien concibe o no esa obra con esos materiales para ser o no duradera. Y generalmente es que no, puesto que la idea principal de la obra es su corta existencia. Su autodestrucción. Es en estos casos cuando, con el debido estudio y consentimiento del autor y sus conceptos, la obra solo es factible de documentarse y perecer, pues es su finalidad para la que fue creada. En este camino, los restauradores aún debemos abrir la mente, pues es necesario entender que no todo es conservable, y menos aun si su autor lo concibió como algo finito.

Tienes algún medio donde podamos observar tus obras y trabajos?
Por supuesto! Podéis visitar mi blog http://carsapor.blogspot.com.es donde muestro mis creaciones y proyectos que, compaginando con mi profesión, voy realizando.  
S/T. Técnica mixta sobre tabla. 45x70 cm


S/T. Técnica mixta sobre tabla. 45x70 cm


S/T. Acuarelas y tinta sobre papel. 43 x 27 cm

martes, 2 de diciembre de 2014

Artistas que son referentes en arte


Su obra y trayectoria es suficientemente profunda para ser referentes en cada época o estilo.

Brunelleschi y Alberti . La arquitectura del Quatrocento.

La cúpula de Brunelleschi para el Duomo de Florencia, Santa Maria del Fiore.

Con la particularidad de que esta cúpula, en sí misma, anula los empujes horizontales para no transmitir al tambor que la sustenta prácticamente más cargas que las verticales correspondientes a su propio peso.


Se suele atribuir la invención de la perspectiva lineal, también conocida en Italia como “construzione legittima”, a Filippo Brunelleschi. Hacia 1413 Brunelleschi demostró los principios básicos de la perspectiva tal como la conocemos hoy día.





La fachada, finalizada en 1470 por Leon Battista Alberti.
Para Alberti, las formas geométricas simples, impulsan a meditar sobre las verdades de la fe, idea que participa de las corrientes estéticas neoplatónicas dominantes en la cultura florentina, ya que demuestra cómo las formas visibles son portadores de significaciones ideológicas precisas y porque la incrustación geométrica realiza el ideal de la reducción de la forma al puro "diseño". La fachada tiene un arco de medio punto característico de la arquitectura clásica



La pintura italiana del Quatrocento.
Masaccio y Botticelli.
Masaccio, es especialmente importante dentro del arte pictórico italiano de comienzos del s.XV dado que será él quien desarrolle (en dicho campo y a partir de los conocimientos compartidos por Brunelleschi) la perspectiva, creando escenas donde el espacio será real.


 

Los complejos significados de las pinturas de Botticelli siguen recibiendo atención de los eruditos, centrándose principalmente en la poesía y la filosofía de los humanistas contemporáneos del artista. Las obras no ilustran un texto en particular; más bien, cada una de ellas se basa en varios textos para su significado. 

La primavera (1481-82): icono de la renovación primaveral del Renacimiento florentino.




La escultura italiana del Quatrocento. Donatello.


Donatello se convirtió en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado».
AutorDonatello
Creacióncirca 1440
UbicaciónMuseo Nazionale del Bargello,FlorenciaItalia
MaterialBronce
Dimensiones158 cm


















Proximamente:
La arquitectura italiana del Cinquecento. Bramante y Palladio.
La escultura italiana del Cinquecento. Miguel Ángel.
La pintura italiana del Cinquecento. Miguel Ángel.

martes, 25 de noviembre de 2014

Vero Bootello

Licenciada en Bellas Artes en la Facultad San Carlos de Valencia , con exposiciones en Barcelona, Cadiz, París, Roma, Valencia...
A-Como fue Tu inicio en el arte , sus primeros recuerdos

V-.Desde muy joven ya me gustaba dibujar, pintar y todo lo relacionado con el arte, era autodidacta.


A-Que artistas te influenciaron
V-Me han influido muchos y muy diversos, desde Picasso, Matisse, Los expresionistas, Dadaístas, a Basquiat, Joshep Cornell o Rauschenberg.


A-Como describirías tu arte
V-Como un arte intuitivo, trabajo mucho con la intuición, con lo que la obra me va pidiendo y me va sugiriendo, es también en algunas ocasiones espontáneo, y muy expresivo.


A-Que opinas del arte actual
V-Que está infravalorado, que mucha gente no entiende el arte como tal, hoy en día a cualquier cosa le llaman arte.


A-Que quieres transmitir con lo que haces
V-Quiero transmitir sensaciones, y que cuánto más contemples mi obra más te guste.


A-Cual es la función de lo que haces
V-Dar salida a mis conflictos, emociones y sentimientos internos, como todos tenemos claro, pero esta es mi forma de canalizar esa energía, mi yo interior, creando. Es una necesidad, me sale sin más.


A-Como es el proceso creativo
V-Empiezo siempre con anotaciones en mis libretas, al principio hay muchas ideas que poco a poco voy acotando, hasta que llego a la idea que estaba buscando, detrás de la idea hay investigación, después elijo el soporte, el material con el que voy a trabajar y finalmente empieza la ejecución de la obra que en muchas ocasiones va variando, mi obra es siempre imprecisa.


A-A quien quieres llegar
V-A todo el mundo. De 0 a 99, sin distinción.


A-Como ves el arte contemporáneo , y a sus artistas.
V-Lo veo sólo accesible para unos pocos, y que sólo 4 pueden vivir de el.


A-Que opinas de los galeritas y de los nuevos medios de difusión de las obras como Internet, espacios emergentes , etc
V-Los galeristas lo tienen mal, se tienen que reinventar, cada vez quedan menos galerías, por suerte o por desgracia, no se, ahora con Internet el arte puede llegar a cualquier lugar del mundo sin necesidad de que tu obra esté en una galería, también es una buena plataforma para artistas emergentes.


A-Sino fueras artista que te gustaría ser
V-Docente

Gracias Vero Bootello
https://www.facebook.com/pages/Vero-Bootello/189340977753079?ref=hl






martes, 18 de noviembre de 2014

Bernardo Vidal


Bernardo, cuéntanos como ¿como surge la idea de esta exposición?
Es un proyecto que hace tiempo que me hace ilusión, pero no lo llevaba a cabo porque siempre había otras prioridades. El hecho de conocer a las personas adecuadas y que me hayan facilitado la labor en la cesión de las salas ha sido determinante. Está previsto que esta exposición sea itinerante, en principio. Aquí va a permanecer un mes y en marzo seguramente pasará al campus de Gandía. Posteriormente, al Palau dels Borjia, aunque éste último todavía esta en proceso de gestiones.También es el momento ideal para satirizar a todos aquellos personajes que están estos días en el candelero y que son vox populi. Me refiero a la clase política, que es incapaz de resolver la situación que actualmente se está viviendo, y que, por el contrario, esos mismos políticos aparecen enredados en escándalos que no pocas veces tienen que ver con el manejo indebido de dinero público. 
De aquí surge la idea, de ese caldo de cultivo que sirve de detonante para centrarme en ese sector podrido que es la política y sus dirigentes.

¿Qué vamos a encontrar en la exposición?
Bueno, como he dicho, vamos a encontrar a muchos políticos. Hay tres bloques: un primer bloque principal que es: “Política, corrupción y sociedad”; un segundo bloque de “personajes conocidos” y un tercero de “personas cercanas a mí”, aunque la crítica de estos dos últimos es mucho más light.
Está muy bien ver dibujos, reírse con la caricatura, pero cada dibujo lo acompaña una frase, una cita, un chiste, etc. que ensalza, o que mayormente, deshonra al personaje. 
Aunque, en principio la sátira está pensada para la diversión, su propósito principal no es el humor en sí mismo, sino un ataque a una realidad que desaprueba el autor, en este caso, yo.

¿Cómo escoges a los personajes?
A mi siempre me ha gustado la caricatura. Cuando estaba en clase, casi todos pasaban por mi cuaderno de dibujo, desde el profesor hasta mis compañeros, de hecho, algunos de ellos los veremos en la exposición. 
¿Cómo elijo a los personajes? A unos involuntariamente, sin ninguna pretensión. Simplemente digo: éste ha nacido para que le hagan una caricatura y me lo está pidiendo a gritos. He ido seleccionando a algunos de ellos. Algunas veces, oía una noticia de actualidad política o social y, si el trabajo me lo permitía, hacía un inciso y dibujaba al protagonista de la noticia. De ese modo he ido recopilando dibujos (no todos), otros los he descartado.

¿Cómo llegaste a la caricatura? ¿cómo aprendiste? ¿cuáles son tus referentes?  ¿te sientes cómodo en esta disciplina?
Como he dicho antes, siempre me ha gustado. Empecé a caricaturizar a mis profesores cuando estudiaba “Artes y Oficios” Aún guardo rallajos de aquella época.
¿Cómo aprendí? no lo sé, dibujando, intentando ver qué hace a esa persona que está frente a ti única. Es difícil, muy difícil. Hay caras con una cara increíblemente particular que consiste en una nariz gigantesca o unas cejas de cromañón. El verdadero desafío es caricaturizar al modelo o la modelo, la cara perfecta. Eso es verdaderamente difícil. 
¿Mis referentes? Me gusta mucho el trabajo de Honoré Daumier, que fue pintor y caricaturista francés, cuyas obras, de gran crudeza y dramatismo, tratan lo cotidiano desde una óptica muy marcada de protesta social. También me gusta mucho el artista Jean Mulatier, que es un caricaturista francés que me encanta. He intentado muchas veces aprender de él. Ambos artistas son franceses.
No es que me sienta cómodo, es que me encanta.

Gracias Bernardo


viernes, 31 de octubre de 2014

La pintura de paisaje

Hasta el SXIX la pintura de paisaje no fue considerada como tal, si no mas bien el paisaje era tan solo un fondo ??? Bueno, palabras de una profesora de Historia del Arte, es verdad que a partir de este siglo, nos encontramos en un momento donde el hombre, retoma el amor por la naturaleza, el
paisaje y los jardines, los artistas y creadores vuelven a encontrar su fuente de inspiración en el paisaje.
Navegando en la red, encontramos webs dedicadas a hablar de ello, entre varias a destacar esta:
http://www.taringa.net/posts/arte/12881552/Pinturas-de-Paisajes-de-Diferentes-Epocas-y-Culturas-1.html
Con una gran recopilación de obras y texto que nos ha encantado
El Greco

Vista de Toledo

El Greco (Domenikos Theotokopoulos, Grecia, 1541-1614)
c.1604-14
óleo sobre lienzo, 121.3 cm × 108.6 cm.
Museo Metropolitano, Nueva York
Bruegel

Los cazadores en la nieve

Pieter Bruegel el Viejo (Flamenco, c.1525-1569)
c. 1565
óleo sobre tabla, 117x162 cm.
Museo de Historia del Arte de Viena
Durero

Vista de Arco

Alberto Durero (Alemania, 1471-1528)
1495
Acuarela sobre papel, 22.1- 22.1 cm.
Paris, Museo del Louvre.

“En la naturaleza todo es siempre correcto: 
la estructura es correcta, las proporciones son buenas, los colores se ajustan a las formas. 
Si imitas a la naturalea en la pintura, se vuelve falsa.”
Gerhard Richter


En España, el gran impulsor del género fue el belga Carlos de Haes, uno de los más activos maestros de la Cátedra de Paisaje en la Escuela Superior de la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid desde 1857.

Rompientesh. 1860 – 1880
Óleo sobre lienzo, 26.6 x 41.7 cm
Ingresa en el Museo en 1926 como depósito del Museo del Prado.
 De entre la nutrida generación de alumnos que formó cabe destacar a Jaime Morera
Playa con sol poniente
Óleo sobre tela
80 × 102 cm
Colección particular. Pamplona

 Aureliano de Beruete
"Para el paisajista, la vida sencilla del campo ha de ser como una necesidad. El pintor de paisajes debe, en cierto modo, identificarse con la naturaleza campestre. ¿Quién no ha sentido henchirse su pecho de un placer indefinible a los primeros albores del sol de mayo? Entonces el estudio entre cuatro paredes se hace insoportable; descuelganse las cajas, y empiezan los aprestos para una vida de fatigas sanas y de afanosos trabajos. Entonces renace en él, intérprete y admirador de las bellezas naturales, una segunda existencia".


 Agustín Riancho 

 Darío de Regoyos. 
Viaducto de Ormaiztegui, 1896. Óleo sobre lienzo, 60 x 98 cm, colección particular


También fueron importantes en el desarrollo de la cultura paisajística diversos círculos y escuelas iniciadas en el último cuarto del siglo XIX, como la catalana Escuela paisajística de Olot creada por Joaquín Vayreda, la Escuela de Alcalá de Guadaira (Sevilla), la Colonia artística de Muros (Asturias) o la Escuela del Bidasoa que se extendería a lo largo del siglo XX.

Fuentes:










lunes, 13 de octubre de 2014

El desnudo en el arte

Venus de Willendorf
MaterialCaliza oolítica
Altura11,1 cm
Ancho5,7 cm
Profundidad4,5 cm
Realizaciónc. 28 000—25 000 a. C.
PeríodoPaleolítico
Descubrimiento1908
DescubridorJosef Szombathy
ProcedenciaCerca de Willendorf, Austria
Ubicación actualMuseo de Historia Natural de Viena
Ante todo, género artístico que representa figuras humanas despojadas de vestimenta, cuyo origen se remonta a los inicios del arte prehistórico.se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas interpretaciones y significados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el estudio anatómico, o bien como representación de la belleza e ideal estético de perfección.

El desnudo siempre ha sido un tema recurrente en la producción artística prácticamente en todas las culturas que se han sucedido en el mundo a lo largo del tiempo.

Bernard Berenson, Los pintores italianos del Renacimiento (1954) dice "Ahora comprenderemos mejor el porqué un arte preocupado principalmente por la figura humana deba atender ante todo al desnudo, así como la razón de que éste haya constituido el problema más apasionante del arte clásico de todas las épocas. No sólo es el mejor vehículo transmisor de todo aquello que en el arte corrobora y acrecienta de manera inmediata el sentido de la vida, sino que es también en sí mismo el objeto más significante del mundo de los hombres"

Durante el renacimiento el desnudo tuvo un marcado signo iconográfico  generalmente relacionado con la mitología grecorromana y con la religión.

El nacimiento de Venus, según cuenta la leyenda Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar: «cuando Cronos hubo cortado los genitales con el acero los lanzó inmediatamente a las aguas agitadas. El miembro de este poderoso dios quedó flotando y a su alrededor surgió una espuma blanca y resplandeciente de la que nació una muchacha»
El historiador del arte estadounidense, Robert Rosenblum, comentaba sobre esta obra: "Esta Venus flota entre una antigua deidad y un sueño moderno (...) y la ambigüedad de sus ojos, que parecen cerrados pero que, mirando de cerca, dejan ver que ella está despierta. (...) Un desnudo que podría estar dormido o despierto es especialmente imponente para un espectador masculino.
Las tres Gracias:
grupo escultórico de 
Antonio Canova.










Las Tres Gracias, en la mitología griega, las Cárites o Gracias (Gratiae en latín) eran las diosas del encanto, la belleza, la naturaleza, la creatividad humana y la fertilidad. Eran tres hermanas: Aglaya (Belleza), Eufrósine (Júbilo) y Talia (Floreciente). Habitaban en el Olimpo, y junto a las musas formaban parte del séquito de Apolo 











Juicio de Paris
Paris era el hijo menor del rey de Troya, y fue elegido para dirimir la disputa entre las diosas Atenea, Hera y Afrodita, enfrentadas sobre cuál de las tres era la más bella. Paris escogió a Afrodita, y su recompensa fue el amor de Helena, esposa del rey de Esparta, cuyo rapto provocó laGuerra de Troya. Entre los autores clásicos que trataron este tema se encuentran Homero (Ilíada) y Ovidio (Las metamorfosis).
El juicio de ParisPeter Paul Rubensca. 1638 - 1639.
 (
Museo del Prado. Madrid).





Auguste ClésingerLeda y el cisne (Léda et le cygne, 1864). Museo de Picardía (Amiens).

















Leda y el cisne

Leda era una princesa etolia que fue seducida por Zeus en forma de cisne, engendrando a los gemelos Cástor y Pólux, y a Helena, cuyo rapto por Paris inició la Guerra de Troya






Adán y Eva
Según la Biblia, «Dios hizo caer un sueño profundo sobre el hombre y, mientras este dormía, tomó una de sus costillas y entonces cerró la carne sobre su lugar. Y Dios procedió a construir de la costilla que había tomado del hombre una mujer, y a traerla al hombre»; «y ambos continuaban desnudos, el hombre y su esposa, y sin embargo no se avergonzaban» (Génesis 2, 21-25). Esta es la justificación para la desnudez de Adán y Eva, los primeros seres humanos, cuya desnudez era natural, no mancillada por el pecado, y así vivían en el Paraíso hasta su expulsión tras el Pecado Original
Por Alberto DureroMuseo del PradoMadrid (1507)
 


El Cristo amarillo (1889), de Paul Gauguin,
 
Albright-Knox Art GalleryBuffalo.





Crucifixión de Jesús la mayoría de imágenes sobre el calvario de Cristo muestran su cuerpo desnudo, desgarrado por el dolor.










La verdad(1870),
de 
Jules Joseph Lefebvre,




La alegoría es una figura literaria o tema artístico que pretende representar una idea valiéndose de formas humanas, animales u objetos cotidianos. Proviene de la Retórica de Aristóteles,  donde especifica los instrumentos adecuados para que el arte pueda persuadir al espectador. Junto a otras figuras retóricas (metáfora, metonimia, paráfrasis, emblema, símbolo), la alegoría relaciona de manera intrínseca la forma y el contenido de una obra, de tal modo que pueda manifestar su esencia de una forma visible y coherente.







Los putti  son motivos ornamentales consistentes en figuras de niños, frecuentemente desnudos y alados, en forma de Cupido, querubín o amorcillo
Amor y Psique infantes (1890),
de
William-Adolphe Bouguereau.























Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Venus_de_Willendorf
http://es.wikipedia.org/wiki/Venus_Anadi%C3%B3mena
http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A1rites
http://es.wikipedia.org/wiki/Juicio_de_Paris
http://es.wikipedia.org/wiki/Ad%C3%A1n_y_Eva
http://es.wikipedia.org/wiki/Leda
http://es.wikipedia.org/wiki/Crucifixi%C3%B3n_de_Jes%C3%BAs
http://es.wikipedia.org/wiki/Alegor%C3%ADa
http://es.wikipedia.org/wiki/Putto

viernes, 19 de septiembre de 2014

El lenguaje artístico fotográfico


Partió de la herencia de la pintura, rápidamente amplió su léxico gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos, la captura del movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del momento.
La presión sobre el fotógrafo para marcar su subjetividad en la fotografía forjó un lenguaje lleno de sutilezas pero perfectamente comprensible, muy directo para cualquier observador.
La invención de la técnica fotográfica nace en un momento de tránsito de la sociedad pre-industrial a la sociedad industrial, favorecida por las innovaciones técnicas de la época. Factores muy importantes para su arraigo fue la filosofía positivista, que establece que cada elemento de la Naturaleza debe ser probado empíricamente y el hacho de que la burguesía es la clase social dominante del momento,utiliza el retrato como instrumento de autorrepresentación y afirmación de su ascenso social.
A partir de 1990, comienza la digitalización del ámbito fotográfico, y con ello una gran explosion de "fotógrafos" todo el mundo tiene un teléfono móvil desde el que realizar "la congelación del instante vivido", Selfish y demas..
La fotografía no fue siempre considerada un arte, su integración al arte fue un proceso muy discutido, evidentemente hoy vuelve a ser un tema controvertido, no todo es arte en la fotografía, si bien si existen muchos fotógrafos autodidactas con gran calidad en sus trabajos.
La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana es evolución con su tiempo, la fotografía artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión artística.
En la fotografía todos los autores sean profesionales o no, tienen, por el solo hecho de haber hecho su obra, en exclusiva una serie de derechos de carácter económico y moral sobre ésta.
Ana Auñón

martes, 29 de julio de 2014

La danza hoy

El hombre siempre se ha manifestado a través de las artes, así nos llegan desde tiempos remotos sus creaciones, y de su mano, sus costumbres, su vida, y su historia. La danza no es ajena a este fenómeno, pues ha formado parte de la historia de la humanidad desde tiempos inmemoriales y es de las artes que a través del tiempo ha sido un exponente importante para la humanidad, utilizándose para diversos fines, como artísticos, de entretenimiento, culturales y religiosos.

Es una de las pocas artes donde nosotros mismos somos el material y punto de atención. Es un arte bello, expresivo y emocionante, un vehículo de comunicación de la subjetividad, de estados emocionales, de ideas, de conceptos, a través del cuerpo organizado rítmica, espacial, temporal y tónicamente, no importa que esta danza sea más o menos espontánea, más o menos codificada, repetible o irrepetible, la danza se ha convertido en nuestra época en una actividad de importancia singular: las causas de este encumbramiento las podemos descubrir en su propia naturaleza y en la necesidad que siente el hombre de realizar practicas y ejercicios de tipo colectivo. Sin embargo, esta importancia de la danza hoy en día es la culminación de ancestrales ciclos evolutivos, a través de los cuales ha asumido y conservado dos características esenciales que colocan en una situación artística y social privilegiada.
 En diversos tiempos y espacios culturales la danza sobreviene y se desarrolla gracias a su capacidad para penetrar en otro tipo de acciones, ritos y actividades, que le permite enriquecerse a través de la asimilación de elementos de los cuales carece.Ademas la danza conserva las premisas y funciones propias de su naturaleza, así como los elementos básicos que la hacen posible: el cuerpo humano, el movimiento y el espacio.
Gracias a estas características esenciales, la danza constituye un movimiento definido e interrumpido a lo largo de la historia. Aunque su practica incluya distintos modos, estilos y tendencias.

miércoles, 23 de julio de 2014

La exposición es un método eficaz de difusión cultural



. Las exposiciones temporales son realmente soportes de un trabajo de sensibilización, de relación y de animación y constituyen un medio específico de comunicación y de expresión que une investigación y creación (Valdés Sagués, 1999: 191-192).
En el mundo bibliotecario se conciben como una manifestación de la denominada extensión cultural que se define como la realización de actividades culturales puntuales o permanentes, promovidas por la biblioteca o asumidas por ella, que tienen como marco las propias instalaciones bibliotecarias y por objeto satisfacer las necesidades y deseos de información de sus clientes mediante servicios diferentes a los tradicionales servicios mínimos bibliotecarios.

El artista puede no pretender de forma clara cambiar el mundo, pero sí con suerte remover algo en el interior del receptor de su obra. Visto así, el arte sí puede “servir” algo: para reconocernos en los propios sentimientos y en los del otro, para fomentar el entendimiento entre las personas. todo ello, si el artista decide mostrarlo. Los espacios bibliotecarios son tan apropiados para poder mostrar toda manifestación artística como las Casas de Cultura y otros espacios habitualmente conocidos y aceptados por el publico. 
En esta época donde podemos ver arte  en las calles, en las entradas de los teatros, no solo aquellas especificas del lugar, sino también atípicas como instalaciones en los hall acciones en las zonas de paso, etc.. Hoy mas que nunca encontramos arte de todas sus expresiones en los entornos bibliotecarios.
       Ana  Auñón

martes, 15 de julio de 2014

Jana Sterbak

Jana Sterbak, escultora (nacida en Praga, Checoslovaquia 1955).
Su trabajo es difícil de clasificar por medio o estilo, su tema es el cuerpo y  a través del cuerpo, la identidad. Su trabajo explora el terreno psicológico entre la libertad y la restricción y muchas de sus estructuras están diseñadas para extender o restringir el cuerpo de alguna manera.
Influenciada inicialmente por el minimalismo, elige sus materiales no convencionales a menudo deliberadamente, guiado por su deseo de tener una relación directa, expresiva entre el material y la idea.
Por lo tanto, en diferentes momentos se ha utilizado cable eléctrico, metros de modistas, y bistec, tambien materiales más comunes, como el plomo, vidrio y bronce. El resultado puede ser amenazante agresivo, como en el vestido eléctrico titulado Quisiera que usted siente lo mismo que yo ... (El vestido) (1984-1985)
o frialdad irónica, como en Generic Man (1987) o Vidas Estándar (1,988 ), el significado a veces se hace más incisivo por el uso de texto.

 

Porque, efectivamente, el cuerpo es efímero y adolece de unas limitaciones físicas y ontológicas. Así, del mismo modo en que el hombre ha intentado trascender las restricciones que la naturaleza impone al cuerpo humano a través de la magia, la ciencia, la tecnología o el mismo arte, Sterbak genera estrategias creativas para contrarrestar sus limitaciones físicas. Sus piezas de ropa constituyen una de estas estrategias. Sterbak les confiere la dimensión del cuerpo, los convierte en cuerpos que pueden ser habitados, alter egos soñados, cuerpos inmortales. En sus piezas de vestuario, la artista se representa a sí misma y representa sus deseos.


La política de género, el conformismo social, y la mortalidad están sujetos a su escrutinio irónico. Al mismo tiempo, se ha abordado con simpatía la voluntad humana de trascender los límites del cuerpo y el poder de la inspiración creativa.


martes, 8 de julio de 2014

Roma en estado puro, por Pedro Benedito Carrió

El motivo originario del viaje del que han tratado estas tres colaboraciones, partió del anuncio de la fecha para la Canonización de los beatos Juan XXIII y Juan Pablo II. No habiendo podido asistir en su momento al funeral del Gran Juan Pablo pese a haberlo intentado, y tampoco al del Papa Bueno  Juan XXIII por la insalvable diferencia temporal–básicamente porque aún no había nacido-, ésta era una ocasión propicia, dada su demostrada trascendencia histórica y profunda significación espiritual.
La excepcionalidad del acontecimiento, innegable por ejemplo en tanto que reunión espiritual de cuatro pontífices, se ha visto enmarcada por hábitos y costumbres presentes en cada nueva estancia en Roma, y así la pervivencia de la cotidiana visita matinal a la Capilla de la Madona del Riposo, anexa a la residencia San Juan de Ribera radicada en Via Aurelia, aún cuando como en este caso la elevada concurrencia impidió que contase con dicho alojamiento, lo que no es óbice para cultivar el trato familiar en la visita a estas religiosas Obreras de la Cruz, ya amigas.
Y tanto da que me refiera a las Eucaristías o a vigilias, rezos, cánticos…, e incluso en cosas más tangibles  como sus tumbas (fotografías 1 y 2), exposiciones (fotografía 3), documentales (fotografía 4), teatro y musicales (fotografía 5), cartelística (fotografías 6, 7 y 8), medios de comunicación (fotografías 9 y 10), la omnipresencia de los nuevos Santos ha sido total, centrando la vida de la comunidad espiritual allí reunida, y dejando una huella en cada cual que para mí resultará profunda e indeleble.
Como muestra de la sensibilidad colectiva a flor de piel una vivencia propia, convivencia más bien. En el ya de por si habitualmente abarrotado Metro de Roma, fui testigo y partícipe de cómo un sacerdote espontáneamente iniciaba un canto familiar, reconociendo en breves instantes “La barca” o “Pescador de hombres”, y sin solución de continuidad nos fuimos agregando prácticamente todos los presentes en un ambiente de comunión e intensa emoción, cada quien en su propio idioma, a partir del polaco en que se inició según supe posteriormente por las explicaciones de las que fueron mis vecinas de asiento hasta que llegamos a final de trayecto (fotografías 11, 12 y 13), parte del grupo de feligresas que acompañaban al sacerdote impulsor, procedentes de Sokólka, curiosamente con una feliz vinculación más, su Santuario dedicado al milagro eucarístico de una hostia consagrada con un hilo de sangre (fotografías 14 y 15). Cosas de la casualidad, como la coincidencia de volar a la ida y a la vuelta con Javier Taberner (fotografía 16), coordinador de la Adoración Eucarística Perpetua de Valencia, responsable por tanto de la que tanto anhelamos ver ya en funcionamiento en Alzira.
Sin duda la experiencia es intransferible, lo que no está reñido con tratar de compartirla mediante unas breves letras con quienes han dedicado un poco de su tiempo a leer estas líneas, merced al compromiso adquirido en su día con la amiga Ana Auñón. Sin embargo no deja de ser también experiencia colectiva, pero que marca individualmente, y en mi caso seguro que influida por haber tenido lugar en las postrimerías de mi formación previa a la incorporación a la familia franciscana, desde su rama seglar en la que en lo sucesivo quedo comprometido desde hace pocas fechas a seguir el carisma del seráfico padre haciendo del día a día un testimonio evangélico. Paz y bien.
Fotografía 1. Tumba de San Juan Pablo II

Fotografía 2. Tumba de San Juan XXIII

Fotografía 3.

Fotografía 4.

Fotografía 5.

Fotografía 6.

Fotografía 7.

Fotografía 8.

Fotografía 9.

Fotografía 10.

Fotografía 11.

Fotografía 12.

Fotografía 13.

Fotografía 14. Santuario de Sokólka

Fotografía 15. Santuario de Sokólka

Fotografía 16.

OFS

Arte Necesary

Este es un proyecto para mantener vivo el Arte.
Ana Auñón Gestor Cultural y Critico de Arte