sábado, 28 de septiembre de 2013

Lucian Freud

"Siempre he querido crear un drama en mis imágenes, por lo que pinto personas. Es gente que ha traído drama a imágenes desde el principio. Los más simples gestos humanos cuentan historias."
Lucian Freud

Lucian Michael Freud  (8 diciembre 1922 hasta 20 julio 2011) fue un pintor británico de origen alemán, es ampliamente considerado el mejor retratista del siglo XX.
 Conocido sobre todo por su retrato densamente empastado  y cuadros de figuras, fue ampliamente considerado como el artista británico eminente de su tiempo.
Sus obras se caracterizan por su penetración psicológica, y para su examen a menudo incómoda de la relación entre el artista y el modelo
Sus interpretaciones viscerales de personas de todos los ámbitos de la vida tienen un drama pictórico y psicológico que no tiene parangón en el arte contemporáneo.
Durante la mayor parte de un siglo, desde la década de 1940 hasta su reciente muerte en julio de 2011, Freud hizo de la presencia humana viva su tema.
 Freud siempre insistió en pintar del modelo, sin usar fotografías  Sus retratos no son sólo el resultado de intensas observaciones del artista, si no  sutiles interacciones entre el pintor y el sujeto.
Los temas de Freud van desde los vecinos, amigos, amantes, familiares, personalidades del mundo del arte, y la realeza. Sus pinturas son, en esencia, una biografía visual.

"La obsesión del pintor con su tema es todo lo que necesita para conducir a trabajar." Lucian Freud


http://www.dallasartnews.com/2012/07/review-of-lucian-freud-portraits-at-the-modern-art-museum-of-fort-worth/
http://www.npg.org.uk/freudsite/
http://en.wikipedia.org/wiki/Lucian_Freud
http://www.20minutos.es/galeria/8346/0/lucian-freud/dibujos/papel/

domingo, 22 de septiembre de 2013

El cine mudo

El arte de la cinematografía alcanzó su madurez a finales de los años 1920. La calidad visual de las películas mudas era a menudo muy buena. Al contrario de lo que piensan algunos de que eran primitivas y de mala calidad comparadas con los estándares modernos. Esta falsa concepción se debe a que tales películas presentaban errores técnicos (tales como velocidad de reproducción incorrecta) y a que muchas películas están deterioradas (muchas grabaciones existen solamente gracias a las copias de segunda o incluso tercera generación que se hicieron, debido a que el filme original estaba ya dañado y descuidado).
Entre 1895 y 1927, la inmensa mayoría de las películas se rodó en blanco y negro. Sin embargo, ya desde el principio muchos cineastas intentaron dar color a las filmaciones. Georges Mélìes tenía un equipo de obreras que pintaban a mano los fotogramas de sus películas, Lo más habitual, sin embargo, era otro estilo de color, que se obtenía sumergiendo segmentos de película o la película completa en un tinte de un determinado color, lo que daba a la película un tono monocromo.
Para mediados de los años veinte, se había desarrollado en la industria del cine todo un código de colores según el tipo de escena. Así, las escenas nocturnas solían teñirse de azul oscuro o verde, mientras que otras tenían otros colores. La elección de estos colores era tan importante que, durante el rodaje, en la claqueta solía especificarse, además del número de toma, el color con el la escena debía teñirse en postproducción.

La compañía Technicolor comenzó a dar sus primeros pasos en el rodaje en color natural en la etapa del cine mudo, y así estrenó su primer rudimentario proceso de color en 1917 con The Gulf Between, la primera película en color en Estados Unidos, de la que se conservan sólo algunos fotogramas. El resultado no fue satisfactorio y habría que esperar a 1922 para que el proceso se perfeccionara y continuaran realizándose películas o fragmentos de películas en color, utilizando el proceso de Technicolor de dos colores, que utilizaba dos colores básicos en lugar de tres y que, por lo tanto, no permitía reproducir el 100% del espectro de color. Clásicos del cine mudo como Los diez mandamientos (versión de 1923), El fantasma de la Ópera o Ben-Hur contenían escenas rodadas en color.
La mayoría de películas en color de los años 40 se perdió o se conservan sólo copias en blanco y negro.
Se filmaba a velocidades más lentas que las películas con sonido (normalmente de 16 a 20 fotogramas por segundo frente a 24) por lo que, a menos que se apliquen técnicas especiales para mostrarlas a sus velocidades originales, pueden parecer artificialmente rápidas, lo que remarca su aspecto poco natural. No obstante, algunas películas mudas –particularmente las comedias– fueron filmadas a menor velocidad de manera intencional para así acelerar la acción.

No podía servirse de audio sincronizado con la imagen para presentar los diálogos, se añadían cuadros de texto para aclarar la situación a la audiencia o para mostrar conversaciones importantes en donde se le daba una narrativa real del diálogo. Los intertítulos (o títulos, como se los llamaba en esa época) se convirtieron en elementos gráficos en sí mismos que ofrecían ilustraciones y decoraciones abstractas con comentarios sobre la acción.
El escritor de títulos se convirtió en un profesional del cine mudo, hasta tal punto que a menudo era mencionado en los créditos al igual que el guionista.
Las partituras utilizadas fueron a menudo improvisadas o se utilizaba música clásica o repertorio teatral. Una vez los largometrajes se hicieron habituales, la música fue recopilada en la llamada Música de Photoplay-que estaba específicamente realizada para acompañar a los films-. Esta labor era realizada por el pianista, el organista, el director de orquesta o el estudio mismo, que enviaban una "partitura" de la música que debía acompañar la película. Desde que se hiciera una composición original, como la de Joseph Carl Breil para la épica película de David W. Griffith El nacimiento de una nación, se volvió relativamente común para las películas llegar a las salas de exhibición con partituras originales especialmente creadas para la ocasión.

El cine temprano de Brasil ofreció cantatas de fitasoperetas con los cantantes interpretando detrás de la pantalla. En Japón, las películas tenían no sólo la música en vivo, sino también contaban con un benshi, narrador en vivo que proporcionaba las voces del narrador y los personajes. El benshi se convirtió en un elemento central en las películas japonesas, además proveía la traducción para las películas extranjeras (sobre todo norteamericanas). Su popularidad fue una de las razones por la que los filmes mudos persistieron bien entrados los años 30 en Japón.

Destacan en el arte de arreglo e interpretación en las películas mudas, los especialista Steven Ball (del teatro de Michigan Ann Arbor), Rosa Rio (organista del Broklin Fox durante la era muda y ahora en el Tampa Theater), Ben Model, Neil Brand, Philiph C. Carli, Jon Mirsalis, Dennis James y Donald Sosin. Carl Davis ha creado nuevas composiciones para las películas de la era muda. Robert Israel ha escrito nuevas composiciones para las comedias de Buster Keaton y Harold Lloyd. Además de escribir nuevas composiciones, Timothy Brock ha restaurado muchas de las composiciones de Charlie Chaplin. Existen, además, agrupaciones dedicadas especialmente al acompañamiento de películas mudas, como la Silent Orchestra, la Alloy Orchestra y la Mont Alto Motion Picture Orchestra.

Los maestros del período mudo, David Wark Griffith fue el gran fijador del lenguaje cinematográfico. Sus innovaciones en la manera de narrar una película revolucionaron el séptimo arte: En sus obras maestras "El nacimiento de una nación"(1914) e "Intolerancia" (1915), dividía el filmen secuencias, mostraba acciones en paralelo,cambiaba el emplazamiento y el ángulo de la cámara, variaba los planos, usaba el flash-back o narración de un hecho ya pasado. Pero,sobre todo, Griffith asumió que el montaje era el instrumento expresivo más importante con que contaba el cine; que no servía sólo para ordenar secuencias y planos, sino también para emocionar al espectador.

En estas primeras décadas de cine aparecen más directores que se dan cuenta de que este nuevo medio de comunicación de masas también puede servir como medio de expresión de lo más íntimo del ser humano: sus anhelos, angustias o fantasías. Y además expresándolo con una estética innovadora, de "vanguardia". 
En Alemania, los estilos "expresionista" y kammerspiel sorprenden por sus productos ambientados en escenarios irreales o futuristas
El trabajo de la iluminación llena de contrastes entre el claro-obscuro, la luz y la sombra serán uno de los aspectos plásticos más innovadores
Los cineastas nórdicos hacen de los exteriores, del paisaje, el escenario natural para sus dramas. Destacaron gente como Sjöström, Stiller o Dreyer; éste último dirigió la obra maestra "La pasión deJuana de Arco" (1928).En el caso de Francia, Louis Delluc fue elprincipal promotor del impresionismo cinematográfico galo, corriente devanguardia en la cual contribuyeron L'Herbier, Dulac y Epstein; éste último dirigió "La caída de la casa Usher" (1927).
Fuera de este movimiento destacan también Abel Gance, autor de "Napoleón"(1927), film donde la técnica de proyección se anticipó al Cinerama y Jacques Feyder, director de "La Atlántida" (1921).El estilo "surrealista" busca expresar el subconsciente de manera poética, en el destacan dos españoles importantes: el cineasta Luis Buñuel y el pintor Salvador Dalí.
El cine americano apuesta más por el beneficio material que por la estética ola poesía visual.
Hollywood, se había convertido en poco tiempo en centro industrial cinematográfico más próspero de los EE.UU. Grandes empresas se reunieron levantando sus estudios donde, además de filmarse las películas, se "construyen" las estrellas para interpretarlas.
Es el caso de Lillian Gish, Gloria Swanson, John Barrymore, Lon Chaney, John Gilbert, Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Mae West o Rodolfo Valentino
Se trata del Star System, sistema de producc.ión basado en la popularidad de los actores por medio de la cual consiguieron más beneficios.

Durante la Guerra Europea,Hollywood se dedicó a dominar los mercados mundiales. La década de los años 20 fue la época dorada del cine mudo americano: espectáculo, grandes actores, diversidad de géneros... Entre éstos destacó el slapstick o cine cómico: los pasteles de nata, las locas persecuciones, los golpes, las bañistas...; invento de Mack Sennett que descubrió a Chaplin, Lloyd, Turpin, Langdon...
Charlot y Keaton. Payasos geniales y, a la vez, críticos con su sociedad deshumanizada, sus gags, harán universal el arte de hacer reír en la pantalla.
De Charles Chaplin es"La quimera del oro" (1925) y de Buster Keaton "El maquinista dela General" (1926)

Se realizaron grandes producciones, "Los diez mandamientos" (1923) o"Rey de Reyes" (1927) el director Cecil B. de Mille, o cineastas extranjeros que se establecieron en Hollywood, como Erich Von Stroheim, autor de "Avaricia" (1924)  





Referencias:


sábado, 14 de septiembre de 2013

Jaume PLENSA

Jaume Plensa, nacido en Barcelona en 1955
A partir de 1980,a vivido y trabajado en Berlín, Bruselas, Inglaterra, Francia, EE.UU. Actualmente comparte su residencia entre París y Barcelona.
Fué profesor en la École Nationale des Beaux- Artes de París y también  en numerosas universidades e instituciones de arte. Colabora como profesor invitado en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago.
Desde 1992 ha obtenido diversas distinciones y premios, tanto nacionales como internacionales, entre otros, su investidura como Caballero de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia (París, 1993), el Premio Nacional de Cultura de Artes Plásticas de la Generalitat de Catalunya (Barcelona, ​​1997), Doctor Honoris Causa por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago (Chicago, 2005), el Premio de Escultura Pública Mash (Londres, 2009), el Premio Nacional de Artes Plásticas (Madrid, 2012), y más recientemente, , el Premio Nacional de Artes Gráficas 2013 (Madrid, 2013)

Su obra escultórica ha pasado por varias etapas desarrolladas en gran parte con materiales de recuperación, hierro, bronce, cobre, ... En 1986, comenzó una serie de esculturas de hierro fundido, y luego incorporó la luz y el alivio de texto escrito. Recientemente sus materiales de fusión han sido resina sintética, vidrio, alabastro, plástico, luz, vídeo y sonido. También tiene una gran producción de obras sobre papel y grabados.
Además su obra escultórica que está colaborando a menudo trabajando en la escenografía y el vestuario para la ópera y el teatro producciones.

Una parte significativa de la producción de Plensa se ​​encuentra en el contexto de la escultura pública, una esfera en la que trabaja tiene instalada en España, Francia, Japón, Reino Unido, Corea, Alemania, Canadá, EE.UU., etc El Crown Fountain , 2004 , en el Millennium Park de Chicago, es uno de sus más grandes proyectos, y, sin duda, uno de sus más brillantes. En 2005 terminó la respiración , que se instala en el nuevo edificio de la BBC en Londres, en 2007Conversación una agradable para el lugar Masséna en Niza (Francia), El Alma del Ebro para la Expo Zaragoza 2008, en Zaragoza, (España) y en 2009 El sueñode St Helens, Liverpool (Reino Unido) y Voces del Mundo en Dubai en 2009 (Emiratos Árabes Unidos), Alma de Ogijima en Ogijima de 2010, Japón, Awilda en Salzburgo 2010, Austria, la tolerancia, para la ciudad de Houston, en 2011 (EE.UU.), y el eco de Madison Square Park, de 2011, en ​​Nueva York, Espejo, 2012, de la Universidad de Houston, y Olhar nos meus Sonhos en Río de Janeiro, Brasil, en 2012 y, más recientemente, las maravillas de la ciudad de Calgary, Canadá. Actualmente se está exhibiendo en la ciudad de Burdeos.

Su obra ha sido expuesta en numerosas galerías y museos de Europa, Estados Unidos y Japón: Fundació Joan Miró, Barcelona (España), Galerie Nationale du Jeu de Paume, París (Francia), Henry Moore Escultura Trust, Halifax (Reino Unido) ; Konsthall Malmö, Malmö (Suecia); Städtische Kunsthalle de Mannheim (Alemania), Musée d'Art Contemporain, Lyon (Francia), Museo Luigi Pecci, Prato (Italia); Kestner Gesellschaft, Hannover (Alemania), el Museo Moderner Kunst Stiftung Ludwig , Viena (Austria), Palacio de Velázquez - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; BÁLTICO El Centro de Arte Contemporáneo de Gateshead (Reino Unido), el Club Centro de Arte de Arte Contemporáneo de Chicago (EE.UU.), Musée des Beaux- Artes, Caen (Francia), Wilhelm-Lehmbruck-Museum, Duisburg (Alemania), Museo Kunsthalle Mannheim (Alemania), Centro de Arte Comtemporáneo, (Málaga), Musée d'Art Contemporain, Niza (Francia), IVAM Institut Valencià d ' Arte Moderno, Valencia, (España), El Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park, Grand Rapids, Michigan, (EE.UU.), El Nasher Sculpture Center, Dallas, (EE.UU.), el Museo Picasso, Antibes (Francia), el Yorkshire Sculpture Park, (Reino Unido), el Museo de Arte Moderno de Espoo , Helsinki, etc

Demuestra regularmente su arte trabaja en la Galerie Lelong de París, Galerie Lelong Nueva York y Richard Gray Gallery de Chicago y Nueva York.


sábado, 7 de septiembre de 2013

El cine, antecedentes


Se considera que el cine nació oficialmente el 28 de diciembre de 1895.Aquel día, los hermanos Lumière mostraron,en sesión pública, sus films a los espectadores del Salon Indien de París.









Su primer film se llamó  , "La llegada de un tren a laestación de Ciotat", el efecto de una locomotora que parecía salir de la pantalla fue enorme. El aparato con el cual lo consiguieron lo llamaron Cinematógrafo.
La temática era  sobre momentos cotidianos,  la vida laboral o familiar, fue la magia y la imaginación de, Georges Méliès  que Hizo cambiar esto, Méliès es el primer inventor de ficciones. Es más, de la ciencia-ficción. "Viaje a la Luna" (1902)y "Viaje a través de lo imposible"(1904) se encuentran entre las mejores muestras del inventor de los trucajes.
A principios del siglo XX, el cine ya es una industria, ha pasado de ser un invento de divertir a ser una máquina para hacer dinero.
Fructuós Gelabert se convierte en el padre de la cinematografía española (1897).Segundo de Chomón sigue los pasos deMéliès en su film "El hotel eléctrico"(1905)

Las barracas de los inicios del cine se convirtieron en salas elegantes y espaciosas donde comenzaban a acudir las clases altas  y no sólo las populares
Para mantener estas salas estables, se comenzaron a realizar películas más cultas para este público burgués. En Francia el proyecto se conocía como Filmsd'Art 
Edison en los EEUU y Charles Pathé en Francia, marcan el inicio de la industrialización del cine.
Léon Gaumont contrata al director Louis Feuillade, especializando el género de terror
En Inglaterra aparece la llamada Escuela de Brighton, formada por los fotógrafos Smith, Williamson y Collins, que se interesan por los temas de persecuciones y bélicos donde proporcionan nuevos recursos técnicos fundamentales para la gramática cinematográfica
En 1903, en EEUU con la cinta "Asalto y robo de un tren", Edwin Porter inaugura el cine del Oeste, Fue el primero en construir una historia cinematográfica a partir de material ya rodado.
Con el fin de monopolizar el mercado cinematográfico y acabar con sus competidores, Edison envía a sus abogados contra los explotadores de aparatos cinematográficos. Se trata de la
guerra de las patentes (1897-1906) que, después de una época de procesos, clausuras de salas,confiscación de aparatos y momentos de violencia, da la victoria a Edison
Esto afectó negativamente a los productores independientes,que  huyen del inventor-negociante, marchando  al otro lado del país, a California y fundan Hollywood. Aquí levantarán las grandes productoras que harán la historia del cine norteamericano.
En otros países el cine ya es una realidad, Italia es uno de los avanzados en la concepción como espectáculo. Las películas de grandes reconstrucciones históricas serán el mejor medio para hacerse con el público. El título más destacado fue "Cabiria", dirigido por Giovanni Pastrone en 1913.. Una concepción del cine que influirá en los cineastas norteamericanos.

Fuentes consultadas:

domingo, 1 de septiembre de 2013

Jasper JOHNS

Pintor, escultor y grabador, es uno de los artistas vivos más exitosos.

 Nacido en Augusta, Georgia,  EE.UU. en 1930, comienza su carrera  artística y comercial con la producción de pantallas para escaparates de Nueva York. En 1958 tuvo su primera exposición individual, todo un éxito.

 Junto a su amigo R. Rauschenberg, se le considera en gran medida responsable de la moda para el arte pop. Sus imágenes muestran objetos bidimensionales comunes  en colores simples. Su temática y el rechazo de la expresión emocional banal apartaron radicalmente del expresionismo abstracto que entonces dominaba la escena artística EE.UU.Si bien es mas conocido por pintar banderas, dianas y numeros, entre sus obras más conocidas está pintada de bronce (1960), una escultura de yeso de dos latas de Cerveza Ballantine. A partir de 1961 se empezó a asociar objetos reales a sus lienzos. En la década de 1970 produjo pinturas compuestas de grupos de líneas paralelas que él llamó "entramados".



Referencias:
Libro: De Andy Warhol a Sindy Shelman . Amalia Martínez
Webs:
http://www.jasperjohns.com/





Arte Necesary

Este es un proyecto para mantener vivo el Arte.
Ana Auñón Gestor Cultural y Critico de Arte