El
arte de la cinematografía alcanzó su madurez a finales de los años
1920. La calidad visual de las películas mudas era a menudo muy
buena. Al contrario de lo que piensan algunos de que eran primitivas
y de mala calidad comparadas con los estándares modernos. Esta falsa
concepción se debe a que tales películas presentaban errores
técnicos (tales como velocidad de reproducción incorrecta) y a que
muchas películas están deterioradas (muchas grabaciones existen
solamente gracias a las copias de segunda o incluso tercera
generación que se hicieron, debido a que el filme original estaba ya
dañado y descuidado).
Entre
1895 y 1927, la inmensa mayoría de las películas se rodó en blanco
y negro. Sin embargo, ya desde el principio muchos cineastas
intentaron dar color a las filmaciones. Georges Mélìes tenía
un equipo de obreras que pintaban a mano los fotogramas de sus
películas, Lo más habitual, sin embargo, era otro estilo de color,
que se obtenía sumergiendo segmentos de película o la película
completa en un tinte de un determinado color, lo que daba a la
película un tono monocromo.
Para
mediados de los años veinte, se había desarrollado en la industria
del cine todo un código de colores según el tipo de escena. Así,
las escenas nocturnas solían teñirse de azul oscuro o verde,
mientras que otras tenían otros colores. La elección de estos
colores era tan importante que, durante el rodaje, en la claqueta
solía especificarse, además del número de toma, el color con el la
escena debía teñirse en postproducción.
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La
compañía Technicolor comenzó
a dar sus primeros pasos en el rodaje en color natural en la etapa
del cine mudo, y así estrenó su primer rudimentario proceso de
color en 1917 con The
Gulf Between,
la primera película en color en Estados Unidos, de la que se
conservan sólo algunos fotogramas. El resultado no fue satisfactorio
y habría que esperar a 1922 para que el proceso se perfeccionara y
continuaran realizándose películas o fragmentos de películas en
color, utilizando el proceso de Technicolor
de dos colores,
que utilizaba dos colores básicos en lugar de tres y
que, por lo tanto, no permitía reproducir el 100% del espectro de
color. Clásicos del cine mudo como Los
diez mandamientos (versión
de 1923), El
fantasma de la Ópera o Ben-Hur contenían
escenas rodadas en color.
La
mayoría de películas en color de los años 40 se perdió o se
conservan sólo copias en blanco y negro.
Se
filmaba a velocidades más lentas que las películas con sonido
(normalmente de 16 a 20 fotogramas por
segundo frente a 24) por lo que, a menos que se apliquen técnicas
especiales para mostrarlas a sus velocidades originales, pueden
parecer artificialmente rápidas, lo que remarca su aspecto poco
natural. No obstante, algunas películas mudas –particularmente
las comedias– fueron filmadas a menor velocidad de manera
intencional para así acelerar la acción.
No
podía servirse de audio sincronizado con la imagen para presentar
los diálogos, se añadían cuadros de texto para aclarar la
situación a la audiencia o para mostrar conversaciones importantes
en donde se le daba una narrativa real del diálogo.
Los intertítulos (o
títulos, como se los llamaba en esa época) se convirtieron en
elementos gráficos en sí mismos que ofrecían ilustraciones y
decoraciones abstractas con comentarios sobre la acción.
El
escritor de títulos se convirtió en un profesional del cine mudo,
hasta tal punto que a menudo era mencionado en los créditos al igual
que el guionista.
Las
partituras utilizadas fueron a menudo improvisadas o se utilizaba
música clásica o repertorio teatral. Una vez los largometrajes se
hicieron habituales, la música fue recopilada en la llamada Música
de Photoplay-que
estaba específicamente realizada para acompañar a los films-. Esta
labor era realizada por el pianista,
el organista,
el director
de orquesta o
el estudio mismo, que enviaban una "partitura" de la música
que debía acompañar la película. Desde que se hiciera una
composición original, como la de Joseph
Carl Breil para
la épica película de David
W. Griffith El
nacimiento de una nación,
se volvió relativamente común para las películas llegar a las
salas de exhibición con partituras originales especialmente creadas
para la ocasión.
El
cine temprano de Brasil ofreció cantatas
de fitas: operetas con
los cantantes interpretando detrás de la pantalla. En Japón, las
películas tenían no sólo la música en vivo, sino también
contaban con un benshi,
narrador en vivo que proporcionaba las voces del narrador y los
personajes. El benshi se
convirtió en un elemento central en las películas japonesas, además
proveía la traducción para las películas extranjeras (sobre todo
norteamericanas). Su popularidad fue una de las razones por la que
los filmes mudos persistieron bien entrados los años 30 en Japón.
Destacan
en el arte de arreglo e interpretación en las películas mudas, los
especialista Steven Ball (del teatro de Michigan Ann Arbor), Rosa Rio
(organista del Broklin Fox durante la era muda y ahora en el Tampa
Theater), Ben Model, Neil Brand, Philiph C. Carli, Jon Mirsalis,
Dennis James y Donald Sosin. Carl Davis ha creado nuevas
composiciones para las películas de la era muda. Robert Israel ha
escrito nuevas composiciones para las comedias de Buster
Keaton y Harold
Lloyd.
Además de escribir nuevas composiciones, Timothy Brock ha restaurado
muchas de las composiciones de Charlie
Chaplin.
Existen, además, agrupaciones dedicadas especialmente al
acompañamiento de películas mudas, como la Silent
Orchestra,
la Alloy
Orchestra y
la Mont
Alto Motion Picture Orchestra.
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Los
maestros del período mudo, David
Wark Griffith fue el gran fijador del lenguaje cinematográfico. Sus
innovaciones en la manera de narrar una película revolucionaron el
séptimo arte: En sus obras maestras "El nacimiento de una
nación"(1914) e "Intolerancia" (1915), dividía el
filmen secuencias, mostraba acciones en paralelo,cambiaba el
emplazamiento y el ángulo de la cámara, variaba los planos, usaba el
flash-back o narración de un hecho ya pasado. Pero,sobre todo,
Griffith asumió que el montaje era el instrumento expresivo más
importante con que contaba el cine; que no servía sólo para ordenar
secuencias y planos, sino también para emocionar al espectador.
En
estas primeras décadas de cine aparecen más directores que se dan
cuenta de que este nuevo medio de comunicación de masas también
puede servir como medio de expresión de lo más íntimo del ser
humano: sus anhelos, angustias o fantasías. Y además expresándolo
con una estética innovadora, de "vanguardia".
En Alemania,
los estilos "expresionista" y kammerspiel sorprenden por
sus productos ambientados en escenarios irreales o futuristas
El
trabajo de la iluminación llena de contrastes entre el
claro-obscuro, la luz y la sombra serán uno de los aspectos
plásticos más innovadores
Los
cineastas nórdicos hacen de los exteriores, del paisaje, el
escenario natural para sus dramas. Destacaron gente como Sjöström,
Stiller o Dreyer; éste último dirigió la obra maestra "La
pasión deJuana de Arco" (1928).En el caso de Francia, Louis
Delluc fue elprincipal promotor del impresionismo cinematográfico
galo, corriente devanguardia en la cual contribuyeron L'Herbier,
Dulac y Epstein; éste último dirigió "La caída de la casa
Usher" (1927).
Fuera
de este movimiento destacan también Abel Gance, autor de
"Napoleón"(1927), film donde la técnica de proyección se
anticipó al Cinerama y Jacques Feyder, director de "La
Atlántida" (1921).El estilo "surrealista" busca
expresar el subconsciente de manera poética, en el destacan dos
españoles importantes: el cineasta Luis Buñuel y el pintor
Salvador Dalí.
El
cine americano apuesta más por el beneficio material que por la
estética ola poesía visual.
Hollywood,
se había convertido en poco tiempo en centro industrial
cinematográfico más próspero de los EE.UU. Grandes empresas se
reunieron levantando sus estudios donde, además de filmarse las
películas, se "construyen" las estrellas para
interpretarlas.
Es
el caso de Lillian Gish, Gloria Swanson, John Barrymore, Lon Chaney,
John Gilbert, Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Mae West o Rodolfo
Valentino
Se trata del Star System, sistema de producc.ión basado en la
popularidad de los actores por medio de la cual consiguieron
más beneficios.
Durante
la Guerra Europea,Hollywood se dedicó a dominar los mercados
mundiales. La década de los años 20 fue la época dorada del cine
mudo americano: espectáculo, grandes actores, diversidad de
géneros... Entre éstos destacó el slapstick o cine cómico:
los pasteles de nata, las locas persecuciones, los golpes, las
bañistas...; invento de Mack Sennett que descubrió a Chaplin,
Lloyd, Turpin, Langdon...
Charlot
y Keaton. Payasos geniales y, a la vez, críticos con su sociedad
deshumanizada, sus gags, harán universal el arte de hacer reír en
la pantalla.
De
Charles
Chaplin
es"La quimera del oro" (1925) y de Buster Keaton "El
maquinista dela General" (1926)
Se
realizaron grandes producciones, "Los diez mandamientos"
(1923) o"Rey de Reyes" (1927) el
director Cecil B. de Mille, o cineastas extranjeros que se
establecieron en Hollywood, como Erich Von Stroheim, autor de
"Avaricia" (1924)
Referencias:
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