Acción de arte donde se transcriben y publican entrevistas, reportajes, imágenes y opinion de arte.
martes, 31 de diciembre de 2013
jueves, 26 de diciembre de 2013
Arte moderno
El arte moderno, como innovación frente a la tradición artística del arte occidental, representa una nueva forma de entender la teoría y la función del arte, en que el valor dominante de las llamadas artes figurativas (pintura y escultura) ya no es la imitación de la naturaleza o su representación litera, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista. Ante todo es un concepto estético y no cronológico.
Sus precedentes (de las ideas artísticas modernas) ya pueden verse en la obra de los grandes maestros barrocos (Diego Velázquez o Rembrandt van Rijn ); de autores de finales del siglo XVIII y comienzos del XIX más o menos cercanos al romanticismo (Francisco de Goya, Jaques Louis David, Eugene Delacroix, Théodor Gericault, Caspar David Friedrich, William Turner, William Blake); y de autores de mediados del siglo XIX cercanos al realismo (Camille Corot, Jean-François Millet, Gustave Courbet, Escuela de Barbizon, William Morris).
Para esas fechas empieza a ser usual la percepción del artista moderno como un incomprendido social, ajeno a las instituciones; aunque paradójicamente termine creando su propia institucionalidad alternativa (Salon des Refusés, 1863 ).
Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos del mundo del arte, que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico. Este representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.
Fuentes:
Sus precedentes (de las ideas artísticas modernas) ya pueden verse en la obra de los grandes maestros barrocos (Diego Velázquez o Rembrandt van Rijn ); de autores de finales del siglo XVIII y comienzos del XIX más o menos cercanos al romanticismo (Francisco de Goya, Jaques Louis David, Eugene Delacroix, Théodor Gericault, Caspar David Friedrich, William Turner, William Blake); y de autores de mediados del siglo XIX cercanos al realismo (Camille Corot, Jean-François Millet, Gustave Courbet, Escuela de Barbizon, William Morris).
Para esas fechas empieza a ser usual la percepción del artista moderno como un incomprendido social, ajeno a las instituciones; aunque paradójicamente termine creando su propia institucionalidad alternativa (Salon des Refusés, 1863 ).
Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos del mundo del arte, que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico. Este representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.
Fuentes:
lunes, 16 de diciembre de 2013
Mireia Vercher
Durante la entrevista que nos ocupa, Mireia ha hablado sobre nuevos métodos de realización para desarrollar sus proyectos personales y de cómo han afectado positivamente en sus creaciones. Nos cuenta también que no sólo fue la curiosidad el motivo para interactuar con el diseño 3d,si no que también se propuso un reto, una meta personal al abrirse en el campo del modelado virtual.
El conocimiento de programas vinculados en el modelado 3d se enlaza perfectamente con sus dotes como diseñadora de interiores, cabe mencionar que Mireia ha estado durante más de tres meses realizando prácticas en un gabinete de diseño de interior situado en plena ciudad de Londres. Además, lleva a cabo un proyecto en la elaboración de una serie de espacios interiores inspirados en su experiencia personal. Según ella, estos programas ofrecen mejoras en las proyecciones de los diferentes espacios a crear, en cuanto a las herramientas de modelado, de texturado y renderización.
Nos ha preparado una pequeña sorpresa, un avance sobre el nuevo proyecto fotográfico por el que se está documentando, habla sobre la piel y las texturas que tiene el campo compositivo de nuestro cuerpo. Esta sorprendente reflexión nos da a entender cuáles son las nuevas metas que desea alcanzar, abriéndose camino en los parámetros de la abstracción que previamente ha desarrollado en la pintura matérica y de campo de color.
Con una cálida despedida, terminamos esta serie de preguntas animando a Mireia Vercher con la tarea que diariamente trabaja, esperando conocer en un futuro cercano los proyectos que tiene entre manos y en su mente. Gracias por concedernos este tiempo.
lunes, 9 de diciembre de 2013
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
lunes, 2 de diciembre de 2013
Cine de animación
Pensar en cine de animación y pensar en Walt Disney es casi una obligación ya que desde 1937 hasta 1985 fue implantando entre los gustos del público, especialmente entre los más pequeños y es el creador americano predilecto incluso más allá del propio país.
El incipiente mundo de la animación estuvo estancado hasta 1824, cuando Peter Mark Roget descubrió el principio de persistencia de la visión.
Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo, como se ve en su «taumatropo».
La idea de recrear la ilusión del movimiento con una serie de dibujos es más antigua que el nacimiento del cine, se remontan a la prehistoria, en la que, mediante pinturas rupestres, se intentaba expresar movimiento. Descubrimientos en Egipto y en Grecia corroboran esta tendencia a representar diferentes fases del movimiento en su arte.
El primer intento que se conoce de una animación mediante la proyección de imágenes data de 1640, cuando el alemán Athanasius Kircher inventó el primer proyector de imágenes, la «linterna mágica», en la que, mediante grabados en cristales, era capaz de proyectar diferentes fases consecutivas del movimiento. En una de sus proyecciones representaba a un hombre mientras dormía, abriendo y cerrando la boca.El incipiente mundo de la animación estuvo estancado hasta 1824, cuando Peter Mark Roget descubrió el principio de persistencia de la visión.
Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo, como se ve en su «taumatropo».
Aunque fueron muchos los inventos nacidos a la sombra del principio de persistencia de la visión, ninguno pasó de la categoría de juguete hasta la llegada del «Phenakistoscopio» de Joseph Antoine Plateau, en 1831, en el que conseguía plasmar un movimiento completo mediante el uso de dibujos.
Entre las bases del origen de la animación está el mismo juego de sombras y la proyección de siluetas de papeles recortados creados por la cultura china.
Émile Reynaud, se considera padre del cine de animación, inventó el praxinoscopio, uno de los muchos juguetes ópticos de la época, en el cual se utilizaba una técnica pre-cinematográfica de animación.
Émile Reynaud, se considera padre del cine de animación, inventó el praxinoscopio, uno de los muchos juguetes ópticos de la época, en el cual se utilizaba una técnica pre-cinematográfica de animación.
Posteriormente lo perfeccionó con su teatro óptico, que permitía proyectar películas animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público y, acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892 hasta finales del siglo XIX. De su producción, en la actualidad se conserva ¡Pobre Pierrot!, de 12 minutos de duración.
Después Émile Cohl, que desde 1908 realizó los primeros
cortometrajes de dibujos animados, entre los que se destaca Fantasmagorie, de un minuto y veinte segundos de duración.
Otro pionero fue George Méliès, el cual utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de animación.
Otro pionero fue George Méliès, el cual utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de animación.
En Europa, Francia ha destacado en los cortometrajes la productora Folimage; en largometraje, el éxito de Kirikú y la bruja de Michel Ocelot ha abierto el camino para un número creciente de películas de ambiciones y calidad notables: Las trillizas de Belleville de Sylvain Chomet, Corto Maltese: La cour secrète des Arcanes de Pascal Morelli, La prophétie des grenouilles de Jacques-Remy Girerd, etc. En adición y como largo más destacable se halla la película el planeta salvaje dirigida por René Laloux está considerada como uno de los grandes clásicos de la animación.
En Reino Unido, la productora Aardman Animations (dedicada principalmente a animación con plastilina) se hizo popular a ambos lados del Atlántico con sus cortometrajes, lanzándose a la producción de largometrajes con Evasión en la granja del mismo director.Comienza la animación independiente, con el estudio Bolexbrothers, y los cortometrajistas Barry Purves, Phil Mulloy y los hermanos Quay.
Nuevas generaciones de animadores de los países del Este han mantenido viva su tradición, casi exclusivamente en cortometrajes, entre los que destacan: los rusos Garri Bardin, Aleksandr Petrov y Konstantin Bronzit; los checos Aurel Klimt (con Fimfarum) y el veterano Jan Svankmajer, el polaco Piotr Dumala, los letones Priit Pärn y Priit Tender y la Escuela Checa de Animación, con Jiří Trnka.
.GIF){kind=link}
domingo, 24 de noviembre de 2013
Arte en Movimiento
Valencia 2011, se forma entre varios artistas de distintas disciplinas artísticas con el fin de crear obras de arte con la temática de Violencia de Genero, Derechos Humanos, Justicia...tratados de forma muy sutil.
Su primer vídeo, Des-ubicación ( Idea original de Ana Auñón con la colaboración de Jordi Arnal , Rebeca Brun , Jordi NN , Carles Salafranca y Belén Sobrino )Des-ubicación Vídeo-danza
Año: 2011 Duración: 1.40 min.
Sinopsis: Vídeo-Danza.Representación del instante en que las personas victimas de la violencia de genero son conscientes de su situación provocando les su Des-ubicación.
Fue proyectado en Onda, Castellon de la Plana, con motivo del día internacional contra la violencia de genero http://desubicacion-aem.blogspot.com.es/2011/11/des-ubicacion_30.html
Después en el 2012 en Noviembre contra la violencia de genero participaron con Edén? Año 2012
Duracion 1.28 min.
Sinopsis
¿Cuantas vejaciones debemos aguantar para conseguir nuestro sueño?Su segundo vídeo sobre la misma temática, esta vez suman su colaboración Noelia Santamaría , Arantxa Laffarga y Jordi Arnal, con la participación de Ana Auñón, Jordi NN y Belén Sobrino
Próximamente "amenazan" con mostrarnos su ultima creación en Jornada de Vídeo-Arte en Alzira que se celebra el 13 de diciembre de 2013 en la Casa de la Cultura , nos presentan Ubicación
año 2013Sinopsis
Ubicación es un vídeo de violencia de género que muestra la misma acción bajo distintos puntos de vista, ¿quien es el maltratado?¿quien el maltratador? El más débil siempre sale perdiendo.
Añaden la colaboración de Carlos Mas, video-artista y, con una larga trayectoria en el mundo del teatro. Que mas nos presentaran?
Declración de doctrinas o propósitos de interés general de Arte en
MovimientoComo grupo no publicamos manifiestos ni elaboramos teorías conjuntas,
incluso puede afirmarse que no tenemos un estilo en común. Pero si existen
un movimiento, no una escuela, y sí a un grupo profesionales que se reúnen
porque tienen interese en común, y se expresan de modo similar en su
lenguaje artístico al utilizar el vídeo para su mensaje.
Sus ideologías políticas no se refleja en sus obras, que tienen como temas
denunciar la violencia de genero, la injusticia social, las guerras, la
destrucción indiscriminada de los espacios naturales, la homofobia, las
persecuciones políticas y religiosas. Actualmente cada miembro produce su
obra de forma individual y colectiva en proyectos relacionados con los
derechos humanos .
Sitio web •http://artemovimiento2011.wordpress.com/
sábado, 16 de noviembre de 2013
Vincent van Gogh
Vincent Willem van Gogh ( Zundert , 30
de marzo de 1853 - Auvers-sur-Oise , 29
de julio de 1890 ) fue un pintor postimpresionista holandés ,autor de unos 900 cuadros (27 de ellos autorretratos) y unos 1.600 dibujos. Además, dejó 800 cartas, 650 de ellas dirigidas a su hermano pequeño, Theo van Gogh . La figura central en la vida de Van Gogh, fue su hermano, que continuamente y desinteresada mente le dio apoyo financiero. La gran amistad que toda la vida los unió se encuentra documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron a partir de agosto de 1872 .A pesar de la calidad de la obra, hubo que esperar a su muerte para que los méritos le fueran reconocidos y se convirtiera en una gran figura de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX , especialmente entre los fauvistas y losexpresionistas alemanes
El 1880 se
establece en Bruselas ,
y hace amistad con Anthon von Rappard pintor holandés.
Se
inscribe en la Academia de Bellas Artes, donde estudia dibujo y perspectiva . En
esta época hace todo de bocetos y dibujos basados en las
pinturas de Millet ,
representando personajes de campesinos y mineros, tomados de modelos
de la vida cotidiana y pintados en un plano muy realista y
con una tonalidad muy oscura.
Durante
la primavera de 1885 ,
pinta la que se considera una de sus grandes obras, Comiendo
patatas . Hasta
entonces sus esfuerzos se habían centrado siempre en la
representación de una figura, y aquí se encuentra con la dificultad
de tener que coordinar cinco personajes y relacionarlos. Para
esta pintura contrata modelos, hace varios bocetos de dibujos de las
figuras, y todo de estudios de detalles, como las manos sujetando el
tenedor, la taza o la tetera.
|
|
He puesto mi mayor interés en que, al contemplar el
cuadro, se piense que esta gente que está bajo la lámpara, que
se come las patatas metiendo las manos en el plato, ha trabajado
también la tierra, con estas manos. Mi cuadro exalta, pues,
el trabajo manual y el alimento que ellos mismos se han ganado con
toda honestidad ...
En
noviembre de 1885 llega a Amberes ,
donde alquila un pequeño taller en el piso de encima de una tienda
de pinturas, alquiler que le paga su hermano. Compra anticuarios
algunas xilografías japonesas,
y se dedica a copiar modelos de yeso de
esculturas antiguas expuestas en la Real Academia, a pesar de seguir
estando en desacuerdo con la enseñanza académica. Descubre los
cuadros deRubens ,
que con su colorido y sus formas femeninas le abren la alternativa
del uso de colores como el carmín y
el verde
esmeralda .
Las
estampas japonesas compradas en Amberes le dan la llave de la forma y
del espacio. Estudia los colores complementarios, y todo ello lo
hace abrirse a una expresión en su arte que no había ni sospechado
los Países
Bajos . Pissarro
también le explica las nuevas teorías sobre la luz y
el tratamiento divisionista de los tonos. Consigue que ir
añadiendo colores más ricos y luminosos en la paleta, gracias a
Signac, con quien trabaja en 1887. Practica pintando paisajes
urbanos del barrio de Montmartre y naturalezas
muertas ,
ya con colores mucho más vivos. Los rojos, amarillos y azules,
con sus complementarios, ya se pueden apreciar en casi todas sus
pinturas de este período
|
Sus
primeros cuadros en Arles son típicamente japoneses, la
pintura Melocotonero
en flor,
la hace en marzo de 1888. Pinta la naturaleza de los
alrededores, los campos de trigo, los pantanos del delta del Ródano ,
el canal en el sur de Arles, reflejado en diversas obras como El
puente de Langlois . Durante
este período comienza a utilizar las pinceladas ondulantes y
los amarillos , verdes y azules intensos
que caracterizan su obra pictórica de los últimos tiempos
La ideología del simbolismo surge
a finales del siglo
XIX . Según
escribe en 1886 Edouard
Dujardin ,
uno de los grandes teóricos de esta técnica:
|
«
|
El objetivo de la pintura y de la literatura es
reproducir, con los medios propios de estas artes, el sentimiento
provocado por las cosas. Lo que se debería expresar no es la
imagen, sino su carácter.
|
»
|
En
la pintura Jarro
con doce girasoles ,
pintada en agosto de 1888, Van Gogh prueba de plasmar el espíritu
del simbolismo . La
meticulosidad de las flores contrasta con la caótica disposición de
las hojas, así como con la pastosa aplicación del color, que, ante
el fondo azul claro, consigue que el cuadro tenga un significado más
allá de la simple reproducción de las flores. Muestra la
imaginación del artista y su gran fuerza expresiva, fuerza que exige
un gran delirio de sentimientos
La
depresión de Van Gogh empeora, y el 27
de julio de 1.890 ,
a la edad de 37 años, mientras pasea por el campo, con un revólver
se dispara un tiro en el pecho. No se da cuenta de que su herida
es mortal, y vuelve a la pensión Ravoux, donde muere en su cama dos
días más tarde. Theo se apresta a estar a su lado, y se
informa de sus últimas palabras, como «La tristesse Durero
toujours» (la tristeza durará siempre). Vincent es enterrado
en el cementerio de Auvers-sur-Oise
Theo
había contraído la sífilis ,
lo que no sería admitida por la familia durante muchos años, y sólo
después de la muerte de Vincent ingresa por voluntad propia en el
hospital . No puede soportar el dolor de la ausencia del
hermano, y muere seis meses más tarde, el 25
de enero ,
a Utrecht . El 1914 ,
el cuerpo de Theo es exhumado y enterrado junto al de Vincent.
.jpg)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
viernes, 8 de noviembre de 2013
Cine sonoro, inicios
El inicio de la época sonora del cine coincidió con el crack económico de 1929 que ocasionó una Gran Depresión en los EEUU.
Aparece El cantor de jazz", de Alan Crosland Primer film sonoro. La Warner Bros. Pictures, que por entonces pasaba problemas financieros, fue el primer estudio en sacar un filme sonoro, que alternaba la voz y canciones de Al Jolson con subtítulos. Por supuesto, e independientemente de la calidad artística del filme, se convirtió en un gran éxito de taquilla. (FILMAFFINITY)
Este cambio para la industria del cine, también lo fue para los actores, desaparecieron como tales al conocer el público su verdadera voz, desagradable o ridícula, que no correspondía a su apariencia física, actores y actrices tuvieron que aprender a vocalizar correctamente.
En el Estado Español, los primeros estudios sonoros, los Orphea, fueron inaugurados en Barcelona en 1932, donde también se filmó el primer film hablado en catalán, "El cafè de la Marina" (1933) de Domènec Pruna.
Hollywood se dedicó a producir títulos basados en los géneros fantástico,la comedia, el musical o el cine negro, con el fin de exhibir productos de entretenimiento con los que poder evadirse de la realidad.
Es el momento de directores como Lubitsch autor de "Ser o no ser" (1942), Capra -maestro de la comedia americana, con títulos como "Sucedió una noche" (1934) o "Vive como quieras" (1938);
Howard Hawks director de Scarface (1932),George Cukor, autor de"Historias de Filadelfia" (1940)
http://www.filmaffinity.com/es/film918929.html
http://www.xtec.cat/~xripoll/hcinec3.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Ernst_Lubitsch
http://www.bazuca.com/categoria-38278-director-Frank-Capra
http://es.wikipedia.org/wiki/Howard_Hawks
Aparece El cantor de jazz", de Alan Crosland Primer film sonoro. La Warner Bros. Pictures, que por entonces pasaba problemas financieros, fue el primer estudio en sacar un filme sonoro, que alternaba la voz y canciones de Al Jolson con subtítulos. Por supuesto, e independientemente de la calidad artística del filme, se convirtió en un gran éxito de taquilla. (FILMAFFINITY)
Este cambio para la industria del cine, también lo fue para los actores, desaparecieron como tales al conocer el público su verdadera voz, desagradable o ridícula, que no correspondía a su apariencia física, actores y actrices tuvieron que aprender a vocalizar correctamente.
En el Estado Español, los primeros estudios sonoros, los Orphea, fueron inaugurados en Barcelona en 1932, donde también se filmó el primer film hablado en catalán, "El cafè de la Marina" (1933) de Domènec Pruna.
Hollywood se dedicó a producir títulos basados en los géneros fantástico,la comedia, el musical o el cine negro, con el fin de exhibir productos de entretenimiento con los que poder evadirse de la realidad.
Es el momento de directores como Lubitsch autor de "Ser o no ser" (1942), Capra -maestro de la comedia americana, con títulos como "Sucedió una noche" (1934) o "Vive como quieras" (1938);
Howard Hawks director de Scarface (1932),George Cukor, autor de"Historias de Filadelfia" (1940)
John Ford conocido sobre todo por sus "westerns" épicos, como"La diligencia" (1939); o Josef von Sternberg cineasta alemán que dirigió "El ángel azul" (1930)-.
Paralelamente comienza el cine social con King Vidor, cineasta sensible a los problemas de las capas populares como demostró en "El pan nuestro de cada día" (1934). " En Alemania es Georg Wilhelm Pabst es quien cultiva este genero.
El compromiso estético con los menos favorecidos fue más fuerte en Europa. Francia, coincidiendo con el Frente Popular, Jean Renoir mostraba la vida cotidiana y laboral de los trabajadores, incluso utilizándolos como protagonistas de algunos de sus films, como en "La regla del juego" (1939),título que, además de su carga de naturalismo, esto supuso nuevas aportaciones estéticas.
Otros cineastas encuadrados en lo que se llama"realismo poético" fueron Jacques Feyder, Jean Vigo, Marcel Carné y René Clair.
Muchas de las nuevas estrellas de cine proceden del teatro o del musical. Nombres como Marlene Dietrich, Greta Garbo, Claudette Colbert, Olivia de Havilland, Gary Cooper, Clark Gable, Errol Flynn, Jean Gabin, Edward Robinson o Humphrey Bogart se han convertido en mitos del cine
Fuentes consultadas:
http://www.filmaffinity.com/es/film918929.html
http://www.xtec.cat/~xripoll/hcinec3.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Ernst_Lubitsch
http://www.bazuca.com/categoria-38278-director-Frank-Capra
http://es.wikipedia.org/wiki/Howard_Hawks
sábado, 2 de noviembre de 2013
Joseph Beuys
Artista vinculado al Activismo. Nació
el 12 de mayo de 1921 en Krefeld.
Para Beuys, "todo ser
humano es un artista", y cada acción, una obra de arte. Con esa
concepción ampliada del arte despertó revuelo y desató debates en
todo el mundo. Las obras de arte eran para Beuys tan efímeras como
la vida. Por ello nunca quiso crear obras para la eternidad, sino dar
impulsos para la reflexión.
Beuys tomó elementos mitológicos,
filosóficos, médicos y religiosos en su intento utópico de ayudar
a crear una sociedad más humana. Muchos de sus dibujos, plásticas,
acciones y conferencias contienen referencias al mundo de la
medicina, tanto popular como académica.
En
su último periodo creativo, Beuys también analizó intensamente el
chamanismo, para el artista una filosofía natural que evoca un mundo
originario en el que todos los seres viven en armonía. En ese
sentido, Beuys fue un adelantado de su tiempo, ya que veía en el
chamanismo un enfoque médico integral, que armoniza a todo el ser:
su cuerpo, su espíritu y su alma.
Mas en
viernes, 25 de octubre de 2013
INguDeE
Con el tiempo nos expandimos y a comenzado a colaborar con nosotros una nueva compañera que nos aportara tanto entrevistas como nuevos reportages de personas que viven el arte cuya particularidad es que tienen, o han tenido una relacion con la Facultad de BBAA de Valencia como el reportaje de Victoria
Francés, Ilustradora valenciana,Licenciada en Bellas Artes por la
Facultad de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia
http://lafadeta.blogspot.com.
http://lafadeta.blogspot.com.
sábado, 19 de octubre de 2013
Victoria Francés
Se dio a conocer en el XXII Salón del Cómic de Barcelona, donde hizo su primera aparición pública y ganó el respeto de autores de renombre.
Al mercado se han lanzado calendarios centrados en su arte y otros productos de merchandising como puzles o cartas de tarot.
Sus primeras obras fueron publicadas en España por Norma Editorial, hasta que finalizó la serie Favole y cambió de editorial a Planeta DeAgostini publicando "El Corazón de Arlene". En 2009 vuelve a Norma Editorial comenzando a publicar la colección de libros "Misty Circus" y este mismo año publica también "Dark Sanctuary" con la editorial Astiberri. Actualmente, 2012, ha publicado una nueva obra titulada "El lamento del océano".
La editorial estadounidense Dark Horse ha publicado sus obras en Norteamérica, aumentando así su base de seguidores.
La obra de Victoria Francés está inspirada en el movimiento gótico, considerándose una precursora de la ilustración de este género: mujeres fantasmales con vestidos largos y las referencias vampíricas. Sus ilustraciones muestran personajes solitarios, mujeres jóvenes o parejas, en un ambiente gótico y atmósfera romántica o melancólica.
Victoria recibe influencias de varios escritores, como Edgar Allan Poe, Anne Rice, Goethe, Baudelaire, Bram Stoker y de ilustradores como Arthur Rackham, Edmund Dulac, Luis Royo y Gerald Brom,también de grupos de música entre los que destaca a Dark Sanctuary con los que ha colaborado en 2009.
http://www.victoriafrances.es/autora/
http://www.flickr.com/photos/victoriafrancesofficial/sets/
https://www.facebook.com/pages/Victoria-Franc%C3%A9s-Official/130915713670544
http://www.victoriafrances.es/galeria/ilustraciones-variadas/
http://www.mistycircus.com/
http://victoriafrancesfrozen.blogspot.com.es/2007/12/victoria-francs-imgenes.html
https://www.google.es/search?q=victoria+frances+ilustracion&espv=210&es_sm=122&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=R4liUsHfJoSjhgeA94CgAg&ved=0CDEQsAQ&biw=1280&bih=675&dpr=1#es_sm=122&espv=210&q=victoria+frances+ilustracion+libres+de+derechos+de+autor&tbm=isch&facrc=_&imgdii=_&imgrc=irG63J9IbDbCEM%3A%3B4JLsJ1B5TQYQyM%3Bhttp%253A%252F%252F3.bp.blogspot.com%252F_88k4Q3Suy6w%252FSxPzEtcPZJI%252FAAAAAAAABAs%252FBSXerA8Xxv0%252Fs400%252Fvictoria%25252Bfrances.jpg%3Bhttp%253A%252F%252Felgrandiosom.blogspot.com%252F2009%252F11%252Ftrapitos-comiqueros-hoy-favole-de.html%3B300%3B400
sábado, 12 de octubre de 2013
Fernando Lozano
Fernando Lozano, artista español, estudio en Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Ciudad Real (estudios generales de dibujo, pintura y talla en madera) y Escuela de Artes Aplicadas y Oficios de Tarragona (grabado y pintura mural -procedimientos-).
A-¿Como fue tu inicio en el arte, tus primeros recuerdos?
A-¿Como fue tu inicio en el arte, tus primeros recuerdos?
F-Mi padre, también pintor, me disuadió de mi inclinación por la literatura a cambio de la pintura. Si no recuerdo mal, casualmente fue el año de la muerte de Pablo Picasso. Mi padre no creía que en España uno se pudiera ganar la vida con la literatura -curiosamente hoy hay algunos escritores muy bien pagados en nuestro país-. Dentro de lo malo, la pintura debió parecer le un arte más práctico”. El caso es que me lo tomé muy en serio y me hice pintor con ahínco. Aunque no dejé de escribir. Hará casi dos años, la editorial barcelonesa Ediciones Carena, publicó mi novela más reciente, titulada “Cerezas”. Aún no he vuelto a publicar nada más desde entonces; si bien tengo varias cosas en preparación.
A-¿Qué artistas te influenciaron?
F-Al principio los impresionistas. Creo que sin ellos no hubiera tirado de mí la vocación pictórica.
A-¿Cómo describirías tu arte?
F-¿Cómo lo describiría? Pinto desde hace cuarenta años, mi producción ha pasado por muchísimos periodos, épocas, matices. Y por otro lado describir, hablar, en esto no sirve.
A-¿Qué opinas del arte actual?
F-Yo solo veo muchos náufragos desperdigados y desentendidos unos de otros, gritando triunfo si encuentran un mueble flotante al que asirse.
A-¿Qué quieres transmitir con lo que haces?
F-¡Nada! Yo no me planteo esas cosas. Yo no transmito nada ni pintando ni esculpiendo. ¿Qué significa expresar cosas exactamente? Cuando me pongo a juntar objetos para formar una escultura o me pongo ante una tela no experimento necesidad alguna de “expresar” o “transmitir”. Solo “hago”. Esencialmente acepto el caos y lo acompaño. Nuestro concepto cultural del caos es lo que en física se denomina “entropía”. La entropía es el más universal de los fenómenos en el sentido de que es el más inevitable. Cuando pinto me limito a poetizar el desorden. Nadie puede hacer nada más. El arte en realidad es algo muy frívolo. En vez de nadar en la vanidad, podríamos haber estudiado medicina, por ejemplo, para salvar vidas en países donde la gente carece casi de todo, hasta de agua salubre. Puestos a servir a un ideal elevado podríamos habernos hecho útiles a la sufriente humanidad de muchísimas otras formas prácticas. Pero no, aquí estamos, esperando que nuestro arte nos saque a bailar y nos pague el whisky antes de que se nos quede cara de putas tristes. Pues bien, y he aquí lo asombroso y lo mágico. El ego frívolo del artista, arroja no obstante resultados de verdadera elevación humana cuando el artista es bueno. Ahí radica la grandeza del arte. El arte es la pauta de la Historia y su único fruto. No es mérito del artista. Ni tan siquiera el artista es el autor de sus obras. Tan solo ha sido tocado como médium de un mundo lejano y extraño; parcialmente inalcanzable, cuyos resultados el artista se permite, como un angelito, firmar y fechar.
A--¿Cual es la función de lo que haces?
F-Rastrear los oscuros peldaños de la nada desde la planta baja hasta el ático, para nada que sea útil o medible.
A-¿Como es el proceso creativo?
F-Verás…, no tengo ni la menor idea.
A-¿A quién quieres llegar?
F-A nadie. Salvo a mi estrella guía, es decir, a mi “yo” más exigente.
A-¿Cómo ves el arte contemporáneo, y a sus artistas?
F-Préstame unos prismáticos, hace ya un rato que perdí de vista al grupo de los náufragos.
A-¿Qué opinas de los galeristas y de los nuevos medios de difusión de las obras como Internet, espacios emergentes, etc.?
F-No abundan galeristas inteligentes. Algunos que creen serlo, con frecuencia hacen picados fanáticos y sectarios hacia alguna rama extrema del arte excluyendo a las demás, o bien se limitan a pensar y actuar como meros pequeños comerciantes, evitando miras realmente artísticas. Con los espacios alternativos ocurre que enseguida cae en manos del clásico comisario, improvisado o no, que acostumbra a ser alguien sin talento y rodeado de amigos ocasionales, naturalmente todos ellos “artistas”. En cambio Internet, como medio de difusión, sí está mostrando ser de una extrema utilidad para que algunos artistas puedan compartir compulsivamente y hasta el hartazgo, por Facebook, las empalagosas frasecillas de Paulo Coelho.
A-¿Si no fueras artista que te gustaría ser?
F-Útil, como Teresa de Calcuta. O, por otras razones, un respetable capo de la mafia. Pero para un artista, es siempre tarde para ser otra cosa que un artista.