En
"El fin del arte" Donald Kuspit sostiene que el arte ha
llegado a su término porque ha perdido su carga estética y como
reacción a la vacuidad y el estancamiento del postarte , señala
a las artes visuales el camino hacia el futuro.
Las Artes escénicas tienen mucho que decir, destinadas al estudio y/o práctica de cualquier tipo de obra escénica o especificación, toda forma de expresión capaz de inscribirse en la escena, el teatro, la danza, la música y en general, cualquier manifestación del denominado mundo del espectáculo, o que se lleve a cabo en algún tipo de espacio escénico habitualmente en las salas de espectáculos, pero también en cualquier espacio arquitectónico urbanístico construido especialmente o habilitado ocasionalmente para realizar cualquier tipo de espectáculo en vivo, como ocurre con los espectáculos ambulantes Otras expresiones, como desfiles, procesiones de Semana Santa y multitud de ritos religiosos, fiestas populares, o carnavales, tienen una clara dimensión escénica.
Mas de información:
http://www.mcu.es/artesEscenicas/
http://artesescenicas.uclm.es/
http://www.educacion.navarra.es/documents/57308/57787/ARTESCENICAS.pdf/72f9f067-4886-4813-9de5-4e6990da642a
Acción de arte donde se transcriben y publican entrevistas, reportajes, imágenes y opinion de arte.
martes, 25 de junio de 2013
jueves, 20 de junio de 2013
Rosana Maria Ruiz
CurriculumA-Para aquellos que no te conozcan demasiado, como te definirías?R-Me defino como un ser que quiere expresar, decir, manifestar, desde las vivencias, la historia, hasta el mantener vivo un concepto, una idea común, un principio de todos. Pero lo más importante es hacerlo sentido y con compromiso desde las obras de Arte, la Escenografía, los Objetos decorativos, la Redacción y la Danza
R-Al principio fue una búsqueda en la forma y el querer decir. Luego comenzó a haber una idea permanente en mi obra. Y todo me fue encontrando y yo encontrándolo. La vida misma, mi alrededor, influyó en cada paso de mi historia en el Arte>
¿Cual es la evolución de Rosana Maria Ruiz como artista?
R-El Arte es un sentimiento, una expresión humana ante una necesidad de plasmar, ya sea bailando o pintando. Mi propuesta es concientizar en lo que hacemos, en lo que nos proponemos como seres humanos y los artistas nos comunicamos de la manera que mejor creemos hacerlo>
A-¿Que es Arte para ti y que intentas transmitir a través de el?
R-Lo digo como espectadora, con una mirada externa, si bien no dejo de involucrarme como autora, una cosa es lo que yo quiero decir y otra la lectura que hacen los que se enfrentan a ella, pero podría decir que es abstracta/figurativa, con mucha experimentación en los colores y las texturas, con cierto elemento figurativo que siempre hace su aparición. Muy relacionada con las civilizaciones antiguas que habitaron la Argentina y con tendencia al reciclado y al cuidado del medio ambiente,
A- ¿Como definirías tu obra?
R-Mis fuentes, nada más ni nada menos, que la Vida misma con su entorno y todo lo que la involucra
A- ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?
R-Mis referentes son aquellos artistas que han dejado una huella, principalmente mi madre bailarina, y mis abuelas, una pianista y la otra pintora . Como artistas plástico el pintor argentino Perez Celis, Jackson Pollock con su action painting, Frida Khalo y Joseph Beuys con sus historias de vida, Tapies, Chillida y no puedo dejar de nombrar los impresionistas, que maravillaron al mundo con el tratamiento de la luz y el color como Monet, Renoir y luego Fernando Fader, entre otros. Respecto a la Danza tengo en cuenta a mis maestro directos como Moira Chapman y con quien sigo tomando clases, Manuel Vallejos. Siempre estoy aprendiendo de ellos. La Historia del Arte en general es mi referente conjugada con mi Historia.
A- ¿Quienes son tus referentes?
R-Pronto estaré participando en una Feria de Arte, llamada Open Arts, donde pintaré en vivo y estaré exponiendo mi obra, además estaré haciendo notas para el programa de TV llamado ARTEZ, del cual soy conductora, y está cumpliendo tres años en la pantalla. También estoy coreografiando y ensayando para una obra de teatro que trata sobre la vida de Gala, la mujer de Dalí, donde haré un trabajo de danza que marca momentos de la obra, que tiene muchos aspectos Surrealistas, como las sombras alargadas, los cajones de la memoria, los objetos blandos e imágenes dobles. Entre otras actividades que realizo escribo para CRAC! Creatividad/Arte y Cultura, sobre Danza, en toda su amplitud.
A- ¿ Cual es tu proyecto mas inmediato?
A- Y podemos saber mas de ti en:
www.rosanaruiz.com.ar
http://www.facebook.com/Rosana
http://www.facebook.com/rosana
//twitter.com/rosanaruiz
http://www.arterosanaruiz.blog
http://www.creandotuvida.com/R
http://www.michele-andree-unbl
http://www.diarioandino.com.ar
http://www.arteztv.blogspot.co
http://www.youtube.com/user/ar
http://www.cracmagazine.com.ar
sábado, 15 de junio de 2013
Ramón de Soto
El escultor Ramón de Soto y Arándiga nació en Valencia el 23 de noviembre de 1942.
Su infancia transcurrió en el Ramón de Chirivella barrio de San de la ciudad.
A los 10 años de edad de su material de lectura favorito eran las leyendas de la mitología griega: Aquiles, Ulises, la Ilíada y la Odisea, Jasón y los argonautas, Teseo, el Minotauro y el Laberinto, los viajes, el mar tormentoso y tragedias toda forma ayudó a su imaginación joven.
Cuando todavía era un niño que jugaba con el barro en los campos regados por canales de agua, dioses, héroes y modelos escudos.
En el Sahara, como un paracaidista, aprendió a amar el silencio, la distancia y el espacio.
Fue presentado a la escultura en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia, siendo sus maestros Hervás y Benjamín Suria, y trabajó en el taller del escultor Francisco Hernandis.
Estudió escultura en la Escuela de San Carlos Superior de Bellas Artes (Valencia) y la Escuela de San Fernando (Madrid), En la escuela, en Valencia, adquirió algunos conocimientos de la contemporaneidad gracias al padre Alfonso Roig.
En la Universidad de Madrid, participó en las manifestaciones estudiantiles por la democracia.
En 1963, junto a Ignacio Gómez de Liaño y Juan José Gómez Molina, formó el grupo "Integración de las Artes", en la galería Nebli de Madrid dirigido por Amparo Martí, la publicación de una revista del mismo nombre. Durante este período, e influenciado por el artista Julio Plaza, tuvo su primera experiencia del arte constructivista, op-art y synetics. También se puso en contacto con la poesía concreta.
En 1965, se unió a la asociación del arte de hoy en día, que trató de promover un arte mediterráneo y la forma de cultivo.
En 1968, se convirtió en parte de la "Antes de Arte" grupo junto con Eusebio Sempere, Sobrino, Iturralde, Jorge Teixidor y Joaquín Michavila, así como el compositor Tomás Marco, bajo el patrocinio del teórico del arte Vicente Aguilera Cerni.
El conocimiento de la Gestalt, la psicología de la percepción y el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense abrió nuevos horizontes para explorar.
Con sus estudios terminados, él comenzó a enseñar el trabajo en la Escuela Superior de Arquitectura de Valencia, más tarde en la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid, donde trabajó junto al arquitecto Antonio Fernández Alba.
Preocupado por los nuevos materiales que comenzó a experimentar con metachrylate con que ejecuta sus primeras obras de "Antes de Arte". Al mismo tiempo, comenzó un período de aprendizaje de cómo trabajar con el hierro en el estudio de los hermanos Aznar, al lado del cine Xerea en el barrio de Sant Buit de la ciudad.
Recibió clases particulares de matemáticas y lógica simbólica de la Física y profesor de Matemáticas en la Universidad Politécnica, José Luis Santos Lucas.
En 1973 sus preocupaciones políticas y sociales lo llevaron, junto con otros artistas antifascistas de Valencia, para fundar el "Grupo Bulto". El objetivo de este grupo era llevar el arte a los pueblos y ciudades y, a través de conferencias y mesas redondas, elevar el nivel de conciencia social y democrática de la gente. Su trabajo como escultor se centra en las siguientes modelos y la creación de la escultura de compromiso social y político profundo.
En 1975, como consecuencia de su militancia antifascista, se vio obligado a exiliarse en Italia, donde entró en contacto con el crítico Rafaelle Degrada.
En 1976, con el dictador ya muerto, regresó a España.
Como la vida normal se acomodó en la democracia, comenzó un período de investigación de las concepciones del mundo judeo-cristianos greco-romana y así como de la filosofía Zen, que más tarde lo llevó a preocupaba por los conceptos de caos, orden y misterio ( Apollo - Dionisio - Hermes).
Y cómo se reflejan en los diferentes sistemas de proporciones utilizados en el campo del arte, desde el Número de Oro (1.618) en el número del Silencio (1.327), una proporción que utiliza para ejecutar sus obras y preparar sus presentaciones.
Antropología le llevó a concebir una obra de arte como un instrumento que puede ser utilizado para satisfacer necesidades. De todas las funciones del arte, de las que más le interesaba eran los que conciben el arte como una forma de dar estructura a su conocimiento de la realidad y lo que, en el proceso de transformación de la materia, transforma la conciencia y la percepción del artista realidad.
Su serie sobre Eros y Tánatos, sus trabajos sobre el silencio (paisajes, territorios, Arquitecturas) Paisajes de la Memoria y Paisajes del Ego, reflejan estas preocupaciones.
Comenzó un período como profesor universitario en Bellas Artes coincidiendo con su transformación en Facultad, donde fue nombrado Vice-Decano de la Facultad de Bellas Artes Carlos San de la Universidad Politécnica de Valencia.
Recibió un Doctorado en Bellas Artes gracias a su trabajo de investigación en la escultura como un modificador del paisaje.
Cátedra de Escultura de la Universidad Politécnica de Valencia.
Él creó el Departamento de Escultura de la Universidad Politécnica de Valencia con él como jefe.
Más tarde se puso en marcha la Facultad de Bellas Artes de Altea, parte de la Universidad Miguel Hernández de Elche, con él como Dean.
Como presidente del Círculo de Bellas Artes de Valencia, abrió la institución para jóvenes artistas y adoptó una política expositiva de salvar del olvido artistas, artistas como Ricardo Boix, entre otros.
Es Vice-Presidente del Consejo de Comunidad Valenciana para la Cultura.
Posee alta el Premio del Gobierno Regional de Valencia de Distinción.
Él es el Vice-Presidente de la Fundación Cultural Frax de l'Alfàs del Pi, Alicante.
Ha impartido cursos, seminarios y talleres en varias universidades españolas y extranjeras, como la Facultad de Artes Plásticas de La Habana (Cuba) y en la Universidad Musashino Art, Tokio, y las escuelas de arte Saga de Kyoto y Toyama en Japón.
Vive en Bétera en la provincia de Valencia, España
https://www.facebook.com/pages/Ramon-de-Soto-Escultor/119018694871044
domingo, 9 de junio de 2013
La mujer y el feminismo en la Historia del Arte
Marta Minujín , artista plástica ha usado siempre la frase "todo es arte", que sintetiza la concepción de la creadora, convertida en el paradigma de su generación.
Ironiza acerca de la solemnidad del arte que, desde la museificación de las vanguardias históricas, patalea y llora su supuesta "pérdida de capacidad creativa y crítica".
"La incursión de la mujer cambió más la historia del arte que todos los movimientos de vanguardias, incluidos el pop art, el cubismo y el surrealismo"
En este contexto, el arte feminista ha intentado deconstruir los modos en que el arte, históricamente, ha asumido como lugar de la mujer el de objeto para ser representado.
El arte feminista (en sus diversas derivas) no se trasforma en una "corriente más de la historia del arte", en una posdata del fin del siglo XX, sino más bien en un movimiento que reconfigura parte de la escena cultural al discutir los valores y las representaciones vigentes en el arte.
Las imágenes de la mujer representada como "ángel" y "mujer-loca", características del siglo XIX, se trasfor-man, a principios del XX a través de las vanguardias, en "Mujer fatal"
Amparo Serrano analiza las prácticas vanguardis-tas. Dice que, si bien una de las "reivindicaciones de las vanguardia" fue la de la libertad sexual y la búsqueda de "nuevas sensibilidades", esa libertad fue siempre mirada (y realiza-da) a través del ojo masculino. La distinción entre matrimonio y amor, belleza y sexo, o las improntas de los desnudos vanguardistas, evitando toda asociación a las figuras "del decoro" modernista, eran un crítica al orden figurativo del arte y a las relaciones sociales dominantes, pero seguían asociando a las mujeres al lugar para ser representadas o para ser deseadas. El lugar de las artistas seguía sin ser más que "la compañera de", "la amante de" o como mucho la "mujer/artista descubierta por".
Si las mujeres fueron históricamente silenciadas de las instituciones y de las prácticas artísticas, la pregunta que hizo consonancia con la supuesta ausencia de mujeres en la historia del arte era ¿qué lugar ocuparon las mujeres a lo largo de la vida artística occidental? La respuesta no era, a simple vista, difícil de contestar: musas de aquí y de allá aparecían siempre alrededor de "la inspiración del genio masculino", o bien en el lugar de la pasividad, del modelaje, como objetos para ser representadas.
La década de los 70 marcó un período histórico signado por la búsqueda y la reconstrucción de aquella parte silenciada que, metaforizando a muchos teóricos, podríamos considerar la "parte maldita" del arte: el arte y su relación con el feminismo, con las prácticas artistas de las mujeres que no se adecuaban al status quo del "ser representadas por y para el genio".
De marzo a julio de 2007 se llevo adelante en el Museum of Contemporary Art (MOCA) de Los Ángeles la muestra WACK! Art and the Feminist Revolution que agrupó a más de 120 artistas mujeres de todo el mundo y cuyas obras abarcan una retrospectiva que va desde el año 1965 hasta 1980. Entre las artistas podemos mencionar a Marina Abramovic, Lygia Clark, Louise Bourgeois, Eva Hesse, Joan Jonas, Ana Mendieta, Yoko Ono, Nancy Spero y Valie Export, Magdale-na Abakanowicz, Helena Almeida, Theresa Hak Kyung Cha o de Assia Djebar. También, con el mismo crite-rio, se realizó en marzo de 2007, en el Brookyln Museum, la muestra Global Feminisms. Y en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, de junio a septiembre de 2007 se llevo adelante la muestra Kiss-Kiss Bang-Bang. 45 años de Arte y Feminismo, con artistas como Barbara Kruger, Ulrike Rosembach, Martha Rosler, Yoko Ono, Zoe Leonard, VNS Matrix, Maite Garbayo, Guerrilla Girls y Catherine Opie.
Ironiza acerca de la solemnidad del arte que, desde la museificación de las vanguardias históricas, patalea y llora su supuesta "pérdida de capacidad creativa y crítica".
"La incursión de la mujer cambió más la historia del arte que todos los movimientos de vanguardias, incluidos el pop art, el cubismo y el surrealismo"
En este contexto, el arte feminista ha intentado deconstruir los modos en que el arte, históricamente, ha asumido como lugar de la mujer el de objeto para ser representado.
El arte feminista (en sus diversas derivas) no se trasforma en una "corriente más de la historia del arte", en una posdata del fin del siglo XX, sino más bien en un movimiento que reconfigura parte de la escena cultural al discutir los valores y las representaciones vigentes en el arte.
Las imágenes de la mujer representada como "ángel" y "mujer-loca", características del siglo XIX, se trasfor-man, a principios del XX a través de las vanguardias, en "Mujer fatal"
Amparo Serrano analiza las prácticas vanguardis-tas. Dice que, si bien una de las "reivindicaciones de las vanguardia" fue la de la libertad sexual y la búsqueda de "nuevas sensibilidades", esa libertad fue siempre mirada (y realiza-da) a través del ojo masculino. La distinción entre matrimonio y amor, belleza y sexo, o las improntas de los desnudos vanguardistas, evitando toda asociación a las figuras "del decoro" modernista, eran un crítica al orden figurativo del arte y a las relaciones sociales dominantes, pero seguían asociando a las mujeres al lugar para ser representadas o para ser deseadas. El lugar de las artistas seguía sin ser más que "la compañera de", "la amante de" o como mucho la "mujer/artista descubierta por".
Si las mujeres fueron históricamente silenciadas de las instituciones y de las prácticas artísticas, la pregunta que hizo consonancia con la supuesta ausencia de mujeres en la historia del arte era ¿qué lugar ocuparon las mujeres a lo largo de la vida artística occidental? La respuesta no era, a simple vista, difícil de contestar: musas de aquí y de allá aparecían siempre alrededor de "la inspiración del genio masculino", o bien en el lugar de la pasividad, del modelaje, como objetos para ser representadas.
La década de los 70 marcó un período histórico signado por la búsqueda y la reconstrucción de aquella parte silenciada que, metaforizando a muchos teóricos, podríamos considerar la "parte maldita" del arte: el arte y su relación con el feminismo, con las prácticas artistas de las mujeres que no se adecuaban al status quo del "ser representadas por y para el genio".
De marzo a julio de 2007 se llevo adelante en el Museum of Contemporary Art (MOCA) de Los Ángeles la muestra WACK! Art and the Feminist Revolution que agrupó a más de 120 artistas mujeres de todo el mundo y cuyas obras abarcan una retrospectiva que va desde el año 1965 hasta 1980. Entre las artistas podemos mencionar a Marina Abramovic, Lygia Clark, Louise Bourgeois, Eva Hesse, Joan Jonas, Ana Mendieta, Yoko Ono, Nancy Spero y Valie Export, Magdale-na Abakanowicz, Helena Almeida, Theresa Hak Kyung Cha o de Assia Djebar. También, con el mismo crite-rio, se realizó en marzo de 2007, en el Brookyln Museum, la muestra Global Feminisms. Y en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, de junio a septiembre de 2007 se llevo adelante la muestra Kiss-Kiss Bang-Bang. 45 años de Arte y Feminismo, con artistas como Barbara Kruger, Ulrike Rosembach, Martha Rosler, Yoko Ono, Zoe Leonard, VNS Matrix, Maite Garbayo, Guerrilla Girls y Catherine Opie.
martes, 4 de junio de 2013
EMMA-MARGARITA R. A.-VALDÉS
Su primer libro, "Maternidad..., es poesía", prologado por Antonio Gala, fue bien calificado por literatos y críticos. La Biblioteca de Autores Cristianos (BAC) editó su libro "Versos de amor y gloria". Participa, con destacados escritores, en los volúmenes extraordinarios de la BAC: "Felicidades, Jesucristo", "Bienaventurada", "Sobre el aprecio de la vida", y "Hablemos de la amistad". La Obra Social y Cultural Cajasur ha publicado su ensayo poético "Algarabía". Su libro "Antes que la luz de la alborada, tú, María" recibió una buena acogida por su documentado contenido y por sus poemas místico-religiosos
A- ¿Cómo te definirías?
E-. Me definiría como una persona que intenta tener sentido común... y que desea seguir a Cristo lo mejor posible.
A- ¿Desde cuando te interesaste por la poesía?
E- Desde muy pequeña.
A- ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?
E- Los clásicos
A- ¿Quienes son tus referentes?
E- Calderón, Becquer, etc.
A- Cual es el procedimiento que sigues a la hora de realizar tus trabajos?
E- En primer lugar, la observación de las circunstancias de la vida y de los sentimientos humanos; en segundo lugar, una vez anotado el contenido de la poesía que voy a escribir, informarme y documentarme sobre el asunto, darle forma utilizando expresiones poéticas y aplicando las reglas de la métrica, dejar reposar, corregir y, finalmente, publicar. Cuando escribo una poesía procuro darle un contenido que llamo "multidimensional", que bajo una apariencia sencilla se encierren varias lecturas, con metros, rimas, pausas y cadencias adecuadas, así como símbolos y otros elementos literarios para logar la mayor fuerza expresiva posible.
A- ¿ Cuando empezaste, se te ocurrió imaginar que llegarías donde estas ahora?
E- Aún queda mucho camino por recorrer. Los sueños se realizan con trabajo y constancia.
A- ¿ Cual es tu proyecto mas inmediato?
E- Publicar mis obras completas y un librito en prosa que estoy escribiendo actualmente y que no sé si lo publicaré o no.
A- Y podemos ver trabajos tuyos en :
E-Hay muchos sitios en Internet en los que están mis poesías, también en libros de otros autores, en un misal internacional, en la publicación "Magníficat", en folletos y en otros muchos lugares.
Inserto mi firma del email en la que están mis propios sitios:
Sitio espejo:
Otro sitio:
Facebook:
https://www.facebook.com/
Contraportada de uno de sus libros:
La vida es palpitante, apasionada, llena de contrastes, como un caleidoscopio, con muchas formas y colores. En esta obra se intenta reflejar los diversos estados anímicos en función de las circunstancias de cada momento. Recorre el proceso conceptual y afectivo que origina el encuentro con el interior del ser, con el descubrimiento de la fuerza vital, o con la dimensión espiritual que excede la inteligencia, que traspasa los límites de la experiencia posible. Un reto que afronta la autora y lo hace sin reservas, convirtiéndose en protagonista, para expresar los posibles sentimientos ante sucesos cotidianos y ante difíciles situaciones de candente actualidad. Es un libro trascendente y ameno, profundo y sencillo a la vez
Los poemas encierran varias lecturas, es una melodiosa poesía popular e intelectual, con diversos metros y rimas, fruto de investigación y que la autora denomina “multidimensional”; se integra en la memoria, por el metro y, en su caso, por la rima; en la inteligencia, por las informaciones acumuladas; en el corazón, por el ritmo y la fuerza expresiva, y en la percepción sensorial, por su variada forma externa, adaptada al contenido del texto; sin olvidar los símbolos entretejidos, que añaden una nueva dimensión a la unidad básica de las ideas. Su fluidez atrapa al lector desde el primero hasta el último verso y le invita a repetir la lectura con otros niveles de interpretación y de análisis técnico.
En resumen, una obra que permanecerá en el tiempo. Aporta, con exquisita sensibilidad, una forma diferente de adentrarse en el misterio de la vida.